THE DIVISION BELL.
The Division Bell es el décimocuarto y último disco de estudio de la banda británica Pink Floyd, lanzado en abril de 1994. Es el segundo álbum de estudio que no cuenta con la presencia del bajista original Roger Waters.
Alcanzó el número uno en las listas de ventas del Reino Unido y los Estados Unidos Billboard 200 en abril de 1994, permaneciendo cuatro semanas a la cabeza de los listados. The Division Bell ha sido certificado Disco de Oro, Platino, doble Platino en junio de 1994 y Triple Platino en enero de 1999. El lanzamiento fue acompañado por el exitoso tour documentado en el álbum P•U•L•S•E lanzado al año siguiente.
The Division Bell fue un gran éxito de ventas, con críticas variadas. Richard Wright vuelve a componer para la banda desde su último aporte en el álbum Wish You Were Here de 1975. A diferencia de A Momentary Lapse of Reason, The Division Bell muestra un trabajo grupal, muy notable en el aporte compartido de Richard Wright y David Gilmour que en algún momento recuerdan álbumes progresivos tales como Meddle y Wish You Were Here. En este disco se escucha de nuevo la voz de Wright, opacada en discos anteriores (la canción "Wearing The Inside Out" fue la única canción que no fue escrita por Gilmour, sino por Richard Wright y Anthony Moore). También cabe mencionar que "The Division Bell" emplea sonidos antes usados en otras canciones, como los redoblantes de High Hopes, que son iguales a los que suenan en 'Bring The Boys Back Home' de The Wall y las campanas del comienzo, que son iguales a las de 'Fat Old Sun' de Atom Heart Mother.
El tema central del disco es la comunicación - o la falta de comunicación - entre personas, acompañado de otros temas: el aislamiento, la ambigüedad, el enfrentamiento y la autodefensa, todos estos ejemplos de la comunicación malinterpretada y mal hecha. De ahí salió la idea de dos caras enfrentadas, que igualmente se podrían ver como una cara mirando de frente, como en las pruebas psicotécnicas.
Pink Floyd gana su primer Grammy en la categoría de "Mejor interpretación rock instrumental" siendo "Marooned" la interpretación premiada.

Lista de canciones.
"Cluster One" (Wright/Gilmour) 5:58
"What Do You Want from Me?" (Gilmour/Wright/Samson) 4:21
"Poles Apart" (Gilmour/Samson/Laird-Clowes) 7:04
"Marooned" (Wright/Gilmour) 5:29
"A Great Day For Freedom" (Gilmour/Samson) 4:17
"Wearing The Inside Out" (Wright/Moore) 6:49
"Take It Back" (Gilmour/Ezrin/Samson/Laird-Clowes) 6:12
"Coming Back To Life" (Gilmour) 6:19
"Keep Talking" (Gilmour/Wright/Samson) 6:11
"Lost For Words" (Gilmour/Samson) 5:14
"High Hopes" (Gilmour/Samson) 8:32

A Momentary Lapse of Reason

A Momentary Lapse of Reason es el undécimo álbum de estudio de Pink Floyd, lanzado al mercado en septiembre de 1987. En 1985, el guitarrista David Gilmour comenzó a reunir a músicos para dar forma a su tercer álbum en solitario. Sin embargo, para finales de 1986 cambió de idea y decidió que el nuevo material serviría para un nuevo álbum de Pink Floyd. Para ello decidió volver a contar con el batería Nick Mason y el teclista Richard Wright (quienes habían abandonado el grupo en 1979) para el proyecto. A pesar de que por motivos legales Wright no podía ser readmitido como miembro de la banda, él y Mason ayudaron a Gilmour a poner a punto lo que sería el primer álbum de Pink Floyd desde el abandono del letrista y bajista Roger Waters en diciembre de 1985.
Se grabó principalmente en el estudio de Gilmour, Astoria, construido en una casa flotante. La producción estuvo marcada por una disputa legal entre Roger Waters y la banda respecto a quién debía de tener los derechos sobre el nombre de "Pink Floyd", que no se resolvió hasta varios meses después del lanzamiento del disco. A diferencia de la mayoría de los álbumes de estudio de la banda, A Momentary Lapse of Reason no tiene un tema central, siendo una colección de canciones de rock compuestas en su mayoría por Gilmour y el músico Anthony Moore. A pesar de que recibió reseñas mezcladas y que Waters lo ridiculizó, gracias a la ayuda de una exitosa gira mundial superó con creces las ventas de su antecesor The Final Cut. A Momentary Lapse of Reason se certificó multiplatino por la RIAA en Estados Unidos.

Antecedentes.
Después del lanzamiento en 1983 de The Final Cut (a menudo considerado de facto un álbum en solitario de Waters), los tres miembros de Pink Floyd trabajaron en sus proyectos individuales. En 1984 el guitarrista David Gilmour expresó algunos de sus sentimientos sobre su relación con el bajista Roger Waters en su segundo album en solitario, About Face. Gilmour terminó su gira de About Face justo cuando Waters comenzó a promocionar su nuevo álbum en solitario, The Pros and Cons of Hitch Hiking. Aunque ambos músicos se habían juntado con otros músicos de éxito, incluyendo— en el caso de Waters—Eric Clapton, ambos pensaban que para sus seguidores, el atractivo de un nombre en solitario era menor que el de Pink Floyd. La escasa venta de entradas forzó a Gilmour a cancelar varias fechas, y el crítico musical David Fricke comentó que los espectáculos de Waters eran "un petulante eco, un intento trasparente de probar que Roger Waters era Pink Floyd". Después de un descanso de seis meses, Waters volvió a Estados Unidos en marzo de 1985, con una segunda gira. Sin embargo, esta vez lo hizo sin el apoyo de CBS Records, quienes no ocultaron el hecho de que lo que querían en verdad era otro disco de Pink Floyd. Waters respondió diciendo que la empresa era "una máquina".
En aquél momento, claro, yo sólo pensaba, no puedo ver como podemos hacer otro disco o si podemos será en un futuro lejano, y probablemente será más por obligación que por entusiasmo
Nick Mason
Mientras tanto el batería Nick Mason asistió a un concierto de Waters en Londres en 1985, y admitió que echaba de menos ir de gira bajo el nombre de Pink Floyd. Su visita coincidió con el lanzamiento de su segundo álbum en solitario, Profiles, en agosto de ese año, en cuyo sencillo "Lie for a Lie" cantaba Gilmour. Con un amor compartido por la aviación, ambos tomaban lecciones de vuelo, y más adelante compraron un avión De Havilland Devon juntos. Gilmour se dedicó a varias colaboraciones, incluyendo una actuación en un concierto de Bryan Ferry en el concierto Live Aid de 1985, y coproduciendo el álbum debut homónimo de The Dream Academy.
Waters dio una pista sobre su futuro en una entrevista a la revista Rolling Stone de 1982, en el que dijo: "Podría trabajar con otro batería y teclista fácilmente, y es probable que en algún momento lo haga", pero en diciembre de 1985 anunció que abandonaba la banda, y que pensaba que Pink Floyd era "algo pasado". Gilmour veía las cosas distinto; el guitarrista se negó a dejar que Pink Floyd se acabase, y tenía intenciones de seguir con la banda: "Le dije [a Waters] antes de que se marchase, 'si te vas, tío, nosotros seguiremos. No lo ignores, seguiremos". La contestación de Waters fue clara: "Nunca lo hareis, joder". Había escrito a EMI y a Columbia declarando su intención de dejar el grupo, y les había pedido que le liberasen de sus obligaciones contractuales. También se había deshecho de los servicios del mánager de la banda Steve O'Rourke, y contrató a Peter Rudge para llevar sus asuntos. Esto dejaba a Gilmour y Mason (en su opinión) libres para continuar usando el nombre de "Pink Floyd". En ausencia de Waters, Gilmour comenzó a reclutar músicos para el nuevo proyecto. Unos meses antes, el teclista Jon Carin improvisó con Gilmour en su estudio Hookend, donde compuso la progresión de acordes que después se convertiría en "Learning to Fly", por lo que se le invitó a participar en el proyecto. Gilmour invitó a Bob Ezrin (co-producer de The Wall de 1979) para participar, para ayudar a consolidar el nuevo material compuesto. La invitación llegó poco después de que el productor rechazase una oferta de Waters para trabar en su nuevo proyecto en solitario, Radio K.A.O.S., que Ezrin no pudo corresponder: "… Era mucho más fácil para Dave y yo hacer nuestra visión de un álbum de Floyd". Ezrin llegó al Reino Unido en el verano de 1986, para lo que después describió Gilmour como "trastear con un montón de demos". Llegados a este punto no había un compromiso firme para un nuevo álbum de Floyd, y públicamente, Gilmour decía que el nuevo material podría acabar siendo su tercer álbum en solitario. En una reunión de noviembre de 1986 entre Gilmour, Ezrin y el representante de CBS Stephen Ralbosky, el guitarrista no tuvo dudas sobre los sentimientos de Ralbosky: "Esta música no suena en absoluto como Pink Floyd". Gilmour, después admitió que la ausencia de Waters era un problema, y que el nuevo proyecto era difícil sin su presencia. Gilmour experimentó con varios compositores como Eric Stewart y Roger McGough, pero finalmente se decantó por el músico Anthony Moore, quien después apareció en los créditos como coautor de "Learning to Fly" y "On the Turning Away". La idea de un álbum conceptual se descartó, y Gilmour se decantó por la más habitual forma de canciones sin un nexo definido entre ellas. Para el final de año, ya había decidido que el nuevo material sería un nuevo álbum de Pink Floyd.

Grabación.
A Momentary Lapse of Reason, como se llamó más tarde, se grabó en varios estudios distintos, siendo el principal la casa flotante de Gilmour Astoria. El barco se encontraba amarrado en el río Támesis, lo cual (según Ezrin), finalmente "se impuso" en todas las canciones. "Trabajar allí fue mágico, tan inspirador; chavales bajando en piraguas por el río, gansos volando..." Contrataron a Andy Jackson (un colega del cohorte de Floyd James Guthrie) para encargarse de la ingeniería de sonido. En una serie de sesiones discontínuas entre noviembre de 1986 y febrero de 1987, la banda de músicos de Gilmour trabajaron en nuevo material, que a diferencia de en otros trabajos de Floyd se grabó en una máquina analógica de 24 pistas, y se utilizó el método del overdubbing con una grabadora digital Mitsubishi de 32 pistas. Esta tendencia de usar nuevas tecnologías continuó con la utilización de sincronización MIDI, controlado con una computadora Apple Macintosh.
"No puedes volver atrás... Tienes que encontrar una nueva forma de trabajar, de operar y seguir adelante. No hicimos esto ni remotamente parecido a ningún otro álbum de Floyd. Fueron sistemas distintos, todo."... (David Gilmour).
Después de acordar volver a trabajar con el material que tan poco le había gustado a Ralbosky, Gilmour contrató nuevos músicos de sesión, incluyendo a Carmine Appice y Jim Keltner. Ambos baterías, después reemplazaron a Mason en la gran mayoría de las canciones; Mason pensaba que estaba demasiado desentrenado para tocar las piezas, por lo que prefirió dedicarse a los efectos de sonido. Algunas de las partes de batería se hicieron con caja de ritmos. La nueva mujer de Wright, Franka, se puso en contacto con Gilmour para preguntarle si Wright podía contribuir en el nuevo álbum. Gilmour consideró la petición; el teclista abandonó la banda en 1979, y habían ciertos temas legales que complicaban su readmisión, pero después de una reunión en Hampstead fue readmitido. Gilmour, después admitió en una entrevista concedida al escritor Karl Dallas que la presencia de Wright "nos haría más fuertes musical y legalmente". Por esto, se le contrató como músico con un sueldo de 11.000$ a la semana, aunque sus contribuciones fueron mínimas. La mayoría de las nuevas piezas de teclado ya estaban grabadas, por lo que desde febrero de 1987 sólo tocó algunos refuerzos con el órgano Hammond y un piano Fender Rhodes, junto a varias armonías vocales. El teclista también tocó un solo para "On the Turning Away", finalmente descartado, según Wright "no porque no les gustase[...];simplemente pensaron que no encajaba". Gilmour después dijo: "Al principio, tanto Nick como Rick estaban catatónicos en cuanto a sus habilidades para tocar. Ninguno de ellos tocó realmente en este disco. A mi modo de ver, Roger les había destruido", un comentario que claramente enojó a Mason, quien contestó: "Niego que estuviese catatónico. Esperaría eso de la oposición, pero es menos atractivo vininedo de los aliados. En algún punto, hizo algo como una disculpa". No obstante Mason sí que reconoció que Gilmour estaba nervioso sobre cómo se percibiría el álbum.

"Learning to Fly", con su letra "circling sky, tongue-tied and twisted, just an earthbound misfit, I" (cielo circulante, lengüiatada y retorcida, sólo una dirección a la tierra inadaptada, yo), se inspiró en las lecciones de vuelo de Gilmour, que a menudo entraban en conflicto con sus obligaciones en el estudio. La pista también contiene una grabación de la voz de Mason, grabada durante un despegue. La banda experimentó con muestreos digitales, y Ezrin grabó el sonido del barquero de Gilmour (Langley Iddens) remando por el Támesis. La presencia de Iddens en las sesiones de grabación se hizo vital después de que en una ocasión, el Astoria comenzase a ladearse en respuesta a la subida de la marea, que empujaba el barco contra el muelle en que estaba atracado. "The Dogs of War", que Gilmour dice tratar de "mercenarios políticos y físicos", se influenció en un accidente durante la grabación. El sampler comenzó a emitir sonidos de una risa, que Gilmour pensó que sonaba a ladridos de perro. "Terminal Frost" era una demo antigua de Gilmour, en el que hacía tiempo que había querido trabajar añadiéndole letra, pero que finalmente decidió dejar como tema instrumental. En cambio, las letras de "Sorrow" se escribieron antes de componer la música. El solo de guitarra que la abre se grabó en Los Angeles Memorial Sports Arena. Un estudio móvil con una grabadora 24 pistas pasó la Fender de Gilmour a través del sistema de PA, y se grabó en sonido sorround.
A pesar de la tranquilidad que ofrecía el Astoria, las sesiones se veían interrumpidas a menudo por las discusiones entre Waters y los otros miembros de Pink Floyd sobre los derechos para utilizar el nombre de "Pink Floyd". O'Rourke, en la creencia de que su contrato se había rescindido de forma ilegal, demandó al bajista por £25,000 por comisiones atrasadas. En una reunión de Pink Floyd Music Ltd (desde 1973, la cámara de compensación de Pink Floyd para todas las transacciones financieras) en otoño de 1986, Waters se enteró de que se había abierto una nueva cuenta bancaria para todo lo relativo al "nuevo proyecto de Pink Floyd".Inmediatamente, solicitó al juez que no permitiese el uso del nombre Pink Floyd nunca más, pero sus abogados descubrieron que la asociación comercial nunca se confirmó oficialmente, y Waters volvió a los tribunales para intentar conseguir vetar que se pudiese usar el nombre en el futuro. Los abogados de Gilmour respondieron con un comunicado de prensa que afirmaba que Pink Floyd seguiría existiendo, llegando a decirle a un reportero del Sunday Times que "Roger es el perro del hortelano y voy a pelear con él, nadie más ha reclamado el nombre de 'Pink Floyd' para sí. Cualquiera que lo hiciese sería extremadamente arrogante". Waters visitó el Astoria en dos ocasiones, y mantuvo, junto con su mujer, una reunión con Ezrin en agosto de 1986 (el productor después sugirió que le estaba "echando un vistazo"). Como Waters seguía siendo accionista y director de la música de Pink Floyd, tenía el poder de bloquear cualquier decisión hecha por sus antiguos compañeros. En febrero de 1987, las sesiones de grabación se trasladaron a los Estudios Mayfair, y entre febrero y marzo- por un acuerdo con Ezrin para grabar cerca de su casa- a A&M Studios en Los Ángeles: "Fue fantástico porque [...] los abogados no podían llamar en mitad de la grabacione, a menos que lo hiciesen en mitad de la noche". La revista Rolling Stone publicó un reportaje en julio de 1987 que trataba sobre las discusiones entre Waters y Pink Floyd, convirtiéndose en su número más vendido ese año. No obstante, las disputas legales llegaron a su fin en noviembre de ese mismo año.

Presentación.
El título del álbum se escogió tras haber considerado detenidamente el tema. Los tres título que se barajaron inicialmente fueron Signs of Life, Of Promises Broken y Delusions of Maturity.
Por primera vez desde Animals de 1977, el encargado del diseño de la portada y el arte del álbum fue Storm Thorgerson. Su diseño final fue una larga ristra de camas de hospital colocadas en una playa. Se inspiró en una frase de la canción de la pista número seis del álbum "Yet Another Movie" que dice "vestigios de relaciones que se han evaporado, dejando sólo ecos" y una pequeña insinuación de Gilmour sobre un diseño que incluía una cama en una casa de estilo mediterránea. La portada muestra 800 camas de hospital, colocadas en Saunton Sands en Devon (donde, casualmente, se rodaron algunas de las escenas de Pink Floyd The Wall). El colega de Thorgerson se encargó de la distribución de las camas. En el cielo se divisa un ala delta, una referencia a la canción "Learning to Fly". El fotógrafo, Robert Dowling, ganó un premio concedido por la Asociación de fotógrafos por la imagen, para la que necesitó unas dos semanas de trabajo. Para dejar claro el mensaje de que Waters ya no estaba en la banda, se incluyó en el interior del disco una fotografía grupal tomada por David Bailey, cosa que no ocurría desde Meddle. El nombre de Wright sólo aparece en la lista de créditos.

Lanzamiento y recepción.
A Momentary Lapse of Reason se lanzó en el Reino Unido y Estados Unidos el 7 de septiembre de 1987. Se posicionó inmediatamente en el puesto número tres de las listas de ambos países, sólo superado por los álbumes Bad de Michael Jackson y 1987 de Whitesnake. Aunque Gilmour inicialmente vio el álbum como una vuelta de la banda a su mejor época, Wright después discrepó, admitiendo que "las críticas de Roger eran justas. No es un álbum de banda en absoluto".
Es notablemente diferente en estilo y contenido a su predecesor, The Final Cut. Gilmour presentó A Momentary Lapse como una vuelta a la vieja época de Pink Floyd, diciendo que hacia el final de la época de Waters, las letras eran más importantes que la música. Gilmour afirmó que "The Dark Side of the Moon y Wish You Were Here fueron tan exitosos no sólo por las contribuciones de Roger, sino también porque había una mejor armonía entre la música y las letras que en los álbumes posteriores". También dijo que con A Momentary Lapse, había intentado restaurar ese balance entre letras y música.
"Creo que es muy superficial, pero una buena falsificación … Las canciones en general son pobres; las letras casi no me lo puedo creer. Las letras de Gilmour son de tercer nivel"...(Roger Waters).
La revista Q comentó que el álbum parecía un esfuerzo en solitario de Gilmour: "A Momentary Lapse of Reason es un álbum de Gilmour al mismo nivel que los anteriores cuatro de Floyd estaban dominados por Waters". William Ruhlman de Allmusic.com comentó algo similar, diciendo en su reseña que era "un álbum en solitario de Gilmour en todo menos en el nombre". El Toronto Star escribió: "Algo falta aquí. Esto no es, con todo su torpe peso, un álbum que desafío y provocación como Pink Floyd debiera. Perdonad que diga, pero A Momentary Lapse Of Reason es mundano, predecible". El crítico de The Village Voice Robert Christgau escribió: "A simple vista, casi no parece que la maestría conceptual de la banda se haya acabado - quitando el hecho de que cada vez sacan menos ideas".
A Momentary Lapse of Reason fue certificado plata y oro en el Reino Unido el 1 de octubre de 1987, y oro y platino en Estados Unidos el 9 de noviembre. Se convirtió en doble platino el 18 de enero del año siguiente, triple platino el 10 de marzo de 1992 y cuádruple platino el 16 de agosto de 2001, superando holgadamente las ventas del álbum previo The Final Cut. Se reeditó en 1988 como edición limitada en formato LP, con pósters y una confirmación para la compra de entradas para la gira de la banda por el Reino Unido. En 1994 se volvió a remasterizar y reeditar, , mientras que en 1997 se reeditó nuevamente una edición en Estados Unidos para celebrar el 10º aniversario de su lanzamiento.

Gira.

La decisión de hacer una gira de promoción para el álbum se tomó antes incluso de que estuviese completo, y los primeros ensayos fueron caóticos; Mason y Wright estaban desentrenados, y percatándose de que estaba intentado abarcar demasiado, Gilmour le pidió a Bob Ezrin hacerse cargo. Las cosas se complicaron incluso más cuando Waters contactó con varios promotores estadounidenses para amenzarles con demandas si se usaba el nombre de "Pink Floyd". Gilmour y Mason financiaron los costes iniciales (Mason usó su Ferrari 250 GTO como aval). Sin embargo, algunos promotores se sintieron ofendidos por las amenazas de Waters, hasta que finalmente se pusieron a la venta 60.000 entradas en Toronto que se vendieron en pocas horas.
Me amenazaron con el hecho de que teníamos un contrato con CBS Records y que parte del mismo podía ser interpretado para significar que teníamos una obligación comercial con CBS y que si no seguíamos produciendo cosas, podrían a) demandarnos y b) retener regalías si no hacíamos más álbumes. Así que dijeron: 'Eso es lo que va a hacer la compañía discográfica, y el resto de la banda te va a demandar por todos sus gastos legales y cualquier pérdida de beneficios porque eres tú el que está impidiendo que la banda haga más discos. Me forzaron a renunciar a la banda porque, si no lo hacía, las repercusiones financieras me hubiesen barrido completamente.
Roger Waters. A la vez que la nueva formación (con Wright) giraba por Estados Unidos, la gira Radio K.A.O.S. de Waters se llevaba a cabo, en ocasiones, cerca. El bajista prohibió a todos los miembros de Pink Floyd asistir a sus conciertos, que tenían lugar generalmente en recintos más pequeños que los de sus antiguos compañeros. Waters consiguió una orden judicial por el copyright del "cerdo volador" que usaba la banda, por lo que lo ataviaron con unos enormes genitales masculinos para distinguirlo del diseño original de Waters. Sin embargo, para noviembre de 1987, el bajista admitió su derrota, y para el 23 de diciembre llegaron a un acuerdo legal después de reunirse en el Astoria. Mason y Gilmour podrían usar el nombre de Pink Floyd por perpetuidad, mientras que a Waters se le garantizó, entre otras cosas, derechos sobre The Wall. No obstante, la disputa no acabó del todo, con ocasionales desaires de Waters para con sus antiguos compañeros, mientras Gilmour y Mason respondían recalcando las afirmaciones de Waters de que fracasarían sin él. The Sun publicó una historia sobre Waters, quien según ellos había pagado a un artista para crear 150 rollos de papel higiénico con la cara de Gilmour. Waters después negó la historia, aunque deja latente lo alejados que se encontraban en aquél momento.
La gira Momentary Lapse fue un verdadero éxito. LLenaron todos los conciertos que hicieron en los Estados Unidos, haciendo de la gira la más exitosa del año. Pronto siguieron giras por Australia, Japón, Europa y el Reino Unido, antes de que la banda volviese dos veces más a Estados Unidos. El 22 de noviembre de 1988 se lanzó un álbum en directo titulado Delicate Sound of Thunder, seguido de un vídeo en junio de 1989. Pocos días después los tripulantes de Soyuz TM-7 pusieron el álbum, haciendo de Pink Floyd la primera banda en haber sonado en el espacio. La gira se dio por concluida en Knebworth Park en septiembre de 1990, después de más de doscientas actuaciones, una asistencia aproximada de 4.25 millones de espectadores, y una recaudación de más de 60 millones de libras esterlinas (sin incluir merchandising).

Lista de canciones.
Voz principal David Gilmour, excepto donde se indique lo contrario.
«Signs of Life» (instrumental, voz hablada de Nick Mason Gilmour, Ezrin 4:24
«Learning to Fly» Gilmour, Moore, Ezrin, Carin 4:53
«The Dogs of War» Gilmour, Moore 6:05
«One Slip» Gilmour, Manzanera 5:10
«On the Turning Away» Gilmour, Moore 5:42
«Yet Another Movie / Round and Around» (instrumental) Gilmour, Leonard / Gilmour 7:28
«A New Machine (Part 1)» Gilmour 1:46
«Terminal Frost» (instrumental)Gilmour 6:17
«A New Machine (Part 2)» Gilmour 0:38
«Sorrow» Gilmour 8:46

Créditos.
David Gilmour: voz, guitarras, teclados, secuenciadores
Nick Mason: batería, percusión, caja de ritmos, efectos de sonido.

Producción.
Bob Ezrin: productor
David Gilmour: productor
Andrew Jackson: ingeniero de sonido, mezclas
James Guthrie: remezclas adicionales
Músicos adicionales
Richard Wright: teclados, coros
Bob Ezrin: teclados, percusión, secuenciadores
Tony Levin: bajo, chapman stick
Jim Keltner: percusión
Steve Forman: percusión
Jon Carin: teclados
Tom Scott: saxofón alto, saxofón soprano
Scott Page: saxofón tenor
Carmine Appice: batería
Patrick Leonard: sintetizadores
Bill Payne: órgano Hammond
Michael Landau: guitarra
John Helliwell: saxofón (aparece como "John Halliwell" en los créditos)
Darlene Koldenhaven: coros
Carmen Twillie: coros
Phyllis St. James: coros
Donnie Gerrard: coros

The Final Cut.

The Final Cut es el décimo álbum de estudio de Pink Floyd. Se lanzó al mercado en marzo de 1983 a través de la compañía discográfica Harvest Records en el Reino Unido, y varias semanas después a través de Columbia Records en Estados Unidos. Se trata de un álbum conceptual y es el último de la banda en el que participa Roger Waters. Además, éste aparece acreditado como compositor y letrista de todas las canciones del disco. La mayoría de las ellas cuentan con la voz de Waters como vocalista principal; el guitarrista líder David Gilmour aporta su voz a sólo una de las doce canciones del álbum.
The Final Cut se planeó como una banda sonora para la película de 1982 Pink Floyd The Wall. Comenzando con la guerra de las Malvinas, Waters la convirtió en una crítica a la guerra, además de tratar lo que él consideraba la traición para con su padre. Repitiendo el estilo de ópera rock de su predecesor, The Wall (1979), The Final Cut se grabó en ocho estudios distintos de Inglaterra, entre julio y diciembre de 1982. Al igual que en la mayoría de la discografía de Pink Floyd, se contrataron una gran cantidad de músicos de sesión como colaboradores, aunque la grabación del mismo estuvo dominada por la creciente tensión entre Waters y el resto de la banda, especialmente Gilmour. El diseño corrió a cargo de Waters, reflejando el contenido del álbum. The Final Cut llegó a lo más alto de la lista británica de álbumes, aunque recibió críticas diversas. Más adelante se lanzó un cortometraje para acompañar el álbum.
Después del lanzamiento del álbum cada miembro de la banda se concentró en sus proyectos en solitario, aunque poco después Waters anunció que dejaba el grupo, además de intentar que Gilmour y el batería Nick Mason nunca volviesen a utilizar el nombre de Pink Floyd. Con posterioridad Gilmour ha expresado en varias ocasiones su desagrado con gran parte de The Final Cut, muchas veces viéndose el álbum como una obra en solitario de Waters. Ninguna de las canciones del disco se han tocado en directo, aunque algunas sí las ha tocado Waters en sus giras en solitario.

Antecedentes.
The Final Cut se planeó inicialmente como banda sonora para la película de 1982, Pink Floyd The Wall. Bajo su título inicial Spare Bricks, la idea era que contuviese canciones de The Wall sin cambios, o simplemente regrabadas para la película. Algunos ejemplos incluían "When the Tigers Broke Free" y "Bring the Boys Back Home". Sin embargo, el bajista, vocalista principal, y principal compositor Roger Waters planeaba incluir además material nuevo para expandir la narrativa de The Wall.
Debido a la guerra de las Malvinas Waters decidió cambiar de dirección, y comenzó a componer material nuevo. Siendo un socialista de corazón, vio la respuesta de invasión de la Primera Minista del Reino Unido Margaret Thatcher como algo innecesario y jingoísta, por lo que decidió dedicar el nuevo álbum - titulado provisionalmente Requiem for a Post-War Dream— a su padre, Eric Fletcher Waters (muerto en la Segunda Guerra Mundial). Esta nueva dirección creativa creó una serie de disputas entre Waters y Gilmour. Varias piezas musicales de The Wall, incluyendo "Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Final Cut" y "The Hero's Return", se habían apartado para Spare Bricks. A pesar de que Pink Floyd había reutilizado material antiguo en otras ocasiones, Gilmour sentía que no era lo suficientemente bueno para el nuevo álbum. Quería componer material nuevo, pero Waters tenía dudas, ya que Gilmour prácticamente no había contribuido con letras en los últimos tiempos.
"Ciertamente, a veces soy culpable de ser vago, y llegaron momentos en que Roger decía, "Bueno, ¿qué tienes?" Y yo decía, "Bueno, ahora mismo no tengo nada. Necesito un poco de tiempo para poner algunas ideas en una cinta". Hay cosas de todo esto que, años después, puedes mirar atrás y decir, "Bueno, tenía cierta razón en eso". Pero no tenía razón en querer meter pistas como el culo en The Final Cut. Le dije a Roger, "Si estas canciones no eran lo suficientemente buenas para The Wall, ¿porqué lo son ahora?""... (David Gilmour).
Finalmente se le cambió el nombre a The Final Cut, que es una referencia a la obra Julio César del dramaturgo inglés William Shakespeare: "This was the most unkindest cut of all".] "When the Tigers Broke Free" se lanzó como sencillo el 26 de julio de 1982, con "Bring the Boys Back Home".

Concepto y trama.
The Final Cut es un álbum conceptual antibélico con elementos de ópera rock. Las letras de Waters exploran lo que él considera la traición hacia los militares británicos caídos- como su padre- quienes durante la Segunda Guerra Mundial sacrificaron su vida por el espíritu del sueño de la posguerra. Este "sueño" es que la victoria haría del mundo un sitio más pacífico, en el cual los mandatarios no querrían volver a entrar en disputas bélicas. Las letras son críticas con Thatcher, cuyas políticas y decisiones eran vistas por Waters como un ejemplo de traición. Se refiere a ella como "Maggie" a lo largo del álbum.

A excepción de la pista introductoria, "The Post-War Dream", la primera cara del álbum es una ópera rock corta que trata sobre la difícil situación mental de un veterano de la Segunda Guerra Mundial. El protagonista se convierte en un profesor de escuela abusivo, y a lo largo de las cinco siguientes pistas ("Your Possible Pasts", "One of the Few", "The Hero's Return", "The Gunner's Dream" y "Paranoid Eyes") se examina su vida después de la guerra en detalle, centrándose en la depresión consecuencia del trastorno por estrés postraumático. Se va alejando de su esposa y le persigue la memoria de la muerte de sus compañeros soldados, incluyendo las últimas palabras de un artillero oídas a través de un interfono. En un deseo de volver a controlar su vida, paga sus frustraciones con sus alumnos. Este personaje ya había aparecido anteriormente en el álbum previo de Pink Floyd, The Wall, donde se le achaca haber abusado del protagonista en su etapa escolar. En la narrativa de The Wall, específicamente en la canción "The Happiest Days of Our Lives", tiene una esposa "psicopática", quien a menudo le apaliza. El tema vuelve a aparecer en "The Hero's Return" como una sensación de alienación que siente el veterano hacia su mujer y sus alrededores. La porción de ópera rock del álbum acaba con "Paranoid Eyes", en donde el veterano se refugia en el alcohol, eligiendo ocultar sus verdaderos problemas al resto del mundo.
La segunda parte del álbum trata sobre varios temas bélicos. "Southampton Dock" es un lamento para los héroes de guerra que regresan, y para los soldados que se encaminan hacia una muerte segura, "Not Now John" habla de la ignorancia de la sociedad hacia los problemas económicos y políticos. "Get Your Filthy Hands Off My Desert" trata sobre los sentimientos de Waters hacia la guerra y la invasión, y "The Fletcher Memorial Home" refleja sus fantasías sobre reunir a políticos como Leonid Brezhnev, Menachem Begin y Margaret Thatcher para ejecutarles a todos. "The Final Cut trata las intimidades más profundas de Waters; la letra trata las repercusiones provenientes del aislamiento y las represiones sexuales, mientras intenta cometer suicidio y se esfuerza por reconectar con el mundo que tiene a su alrededor. El álbum termina con "Two Suns in the Sunset", una canción que retrata un holocausto nuclear, dando como resultado final un mundo obsesionado con la guerra y el control.

Grabación.
El compositor y director estadounidense, Michael Kamen (un contribuyente en las secciones orquestales de The Wall), hizo de mediador entre Waters y Gilmour, e hizo de teclista- reemplazando al ausente Richard Wright. Contrataron a James Guthrie como ingeniero de sonido, y sorprendentemente, Mason contó con la ayuda de Ray Cooper, e incluso fue reemplazado por Andy Newmark en "Two Suns in the Sunset", ya que Mason era incapaz de tocar los complejos cambios de tempo de la canción. Mason también se encargó del repetitivo estribillo "Maggie, what have we done?". Para tocar el saxofón contrataron a Raphael Ravenscroft. La grabación tuvo lugar en la segunda mitad de 1982, en ochos estudios diferentes, entre los que se encontraba el estudio de la casa de Gilmour en Hookend Manor, y los estudios Billiard Room Studios de Waters en East Sheen. El resto de estudios fueron Mayfair Studios, Olympic Studios, Abbey Road Studios, Eel Pie Studios, Audio International y RAK Studios.

Aunque Waters y Gilmour inicialmente trabajaron juntos, llegando a jugar a Donkey Kong en su tiempo libre, la tensión dentro de la banda fue en aumento. Finalmentte decidieron trabajar por separado. Andy Jackson (co-ingeniero) trabajó con Waters en las partes vocales, mientras que Guthrie trabajó con Gilmour en las piezas de guitarra. Se veían ocasionalmente para discutir sobre el trabajo completado, y aunque esta metodología no era del todo inusual, Gilmour comenzó a notar la tensión. Kamen también comenzó a sentir la presión; Waters nunca fue un vocalista confidente, llegando incluso en una ocasión, después de varias tomas y notar que Kamen escribía algo en una libreta, pedirle enfadado que le mostrase lo que escribía, para encontrar que el pianista había estado escribiedo repetidamente "I Must Not Fuck Sheep" ("No debo de follar ovejas").
Al igual que en álbumes previos de Pink Floyd, para The Final Cut se usaron efectos de sonido combinados con grabaciones de audio repletos de avances e innovaciones tecnológicas. Las contribuciones de Mason estuvieron limitadas casi exclusivamente a grabar efectos de sonido para el sistema holofónico experimental, una técnica de procesamiento de audio usada para añadir un efecto tridimensional a las grabaciones (The Final Cut es el segundo álbum de la historia en contar con esta tecnología). La técnica aparece en "Get Your Filthy Hands Off My Desert", haciendo que el efecto de una explosión parezca que envuelve al oyente. Los efectos de los anteriores álbumes de Pink Floyd también son evidentes; el viento de Meddle (1971) se reutiliza, al igual que partes de The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979).
Después de meses de malas relaciones, y después de una confrontación final, se quitó a Gilmour de los créditos como productor- reflejando lo que Waters sentía acerca de sus pobres contribuciones a la hora de componer. Waters después admitió que también estuvo bajo una gran presión, y que al principio de la producción de The Final Cut llegó a pensar que nunca más trabajaría ni con Gilmour ni Mason jamás. Aunque llegó a insinuar que lanzaría el disco como proyecto en solitario, Pink Floyd tenía contrato como EMI, por lo que era muy improbable que eso pasase. Además, Mason se mantuvo alejado de todo mientras lidiaba con problemas maritales.

Presentación.

Hipgnosis—diseñado es de la mayoría del diseño artístico anterior de Pink Floyd- se había disuelto. Storm Thorgerson, miembro fundador de Hipgnosis, fue descartado para diseñar la portada, de lo que se encargó Waters, usando fotografías tomadas por su cuñado, Willie Christie. La portada muestra los papaverales típicos del día de los caidos y cuatro medallas de la Segunda Guerra Mundial sobre un fondo de tela negro. De izquierda a derecha las medallas son la Estrella de 1939-45, la Estrella de África, la Medalla de la defensa y la Cruz de vuelo distinguido.
El día de los caídos es un tema recurrente en el diseño del álbum. También aparecen varias imágenes de un soldado solitario en un campo. En el interior de la cubierta aparecen tres fotografías. La primera representa una mano extendida, sujetando tres papaverales con un soldado en mitad de un campo a lo lejos. La segunda, de un soldador, portando una máscara de soldador con una pequeña bandera japonesa, idéntico a la portada del sencillo "Not Now John". La tercera representa una explosión nuclear- visto desde dentro de un coche- refiriéndose a "Two Suns in the Sunset". Dentro de la cubierta aparecen todas las letras de las canciones. La etiqueta de la Cara A del vinilo muestra un campo de papaverales, mientras que la Cara B muestra un soldado apuñalado por la espalda, tirado en el suelo cerca de un campo de papaverales. Cerca de él se ve un perro sentado a su lado. La contraportada representa a un soldado de pie sujetando un carrete, con un cuchillo sobresaliendo de su espalda (según Schaffner, el carrete y el cuchillo podrían reflejar la tumultuosa relación de Waters con Alan Parker durante la grabación de The Wall).

Lanzamiento y recepción.
The Final Cut se lanzó en el Reino Unido el 21 de marzo de 1983, y llegó al puesto número uno de la lista de álbumes de ese país, algo que ni The Dark Side of the Moon ni The Wall habían logrado. Su lanzamiento en Estados Unidos del 2 de abril, tuvo menos éxito, llegando sólo al puesto número seis de la lista Billboard 200. "Not Now John" se lanzó como sencillo y consiguió entrar en el UK Top 30, con el estribillo "Fuck all that" censurado y cambiado por "Stuff all that". A pesar de su éxito, el álbum recibió reseñas mezcladas. Melody Maker dijo que era "un hito en la historia de lo horroroso...", mientras que el crítico de Rolling Stone' Kurt Loder lo vio como "esencialmente un álbum en solitario de Roger Waters...; un logro superlativo a varios niveles". Robert Christgau escribió que "es reconfortante encontrar rock antibélico que tiene el peso de años de autocompasión detrás..." concediéndole al álbum una valoración de C+.

Con más de un millón de copias vendidas en estados Unidos, la Recording Industry Association of America certificó The Final Cut platino en mayo de 1983; consiguiendo la certificación de doble platino en 1997. A pesar de esto, The Final Cut fue el álbum menos vendido de Pink Floyd en Estados Unidos y el resto del mundo desde Meddle. Más adelante Gilmour reivindicó que este relativo fracaso comercial reafirmaba su comentario de que mucho del material que se encuentra en el álbum era flojo.
Para acompañar al álbum, se lanzó un cortometraje llamado The Final Cut. La película, basada en una selección de canciones del álbum, fue producida por Waters y dirigido por su cuñado Willie Christie. Para su elaboración se usaron cuatro canciones: "The Gunner's Dream", "The Final Cut", "The Fletcher Memorial Home" y "Not Now John". En ella se ve a Waters contándole sus secretos más íntimos a un psiquiatra llamado A. Parker-Marshall. También aparece en la película Alex McAvoy, quien ya había participado en Pink Floyd The Wall.
The Final Cut se lanzó en formato de disco compacto en 1983, mientras que se lanzó una versión remasterizada y reempaquetada a través de EMI en Europa, y Capitol Records en Estados Unidos en 2004; este último incluye la pista adicional "When the Tigers Broke Free". Además, en 2007 se lanzó otra versión remasterizada como parte de la caja recopilatoria Oh, by the Way, empaquetada en una réplica en miniatura de la portada original del LP.

Legado.
Siguiendo el lanzamiento de The Final Cut, cada miembro de la banda pasó a trabajar en proyectos en solitario. Gilmour grabó en 1984 About Face, usándolo para expresar sus sentimientos sobre varios tópicos, desde el asesinato del músico John Lennon, a su relación con Waters —que también comenzó una gira de apoyo de su nuevo álbum en solitario, The Pros and Cons of Hitch Hiking. Mason lazó su segundo álbum en solitario Profiles en agosto de 1985.
En 1985, Waters anunció su abandono de la banda, ya que pensaba que Pink Floyd había "perdido fuelle". Apeló a la justicia para prevenir que el nombre "Pink Floyd" pudiese seguir utilizándose. Sus abogados descubrieron que la asociación nunca se confirmó oficialmente, y Waters volvió a los tribunales para intentar conseguir vetar que se pudiese usar el nombre en el futuro. Los abogados de Gilmour respondieron con un comunicado de prensa que afirmaba que Pink Floyd seguiría existiendo, llegando a decirle a un reportero del Sunday Times que "Roger es el perro del hortelano y voy a pelear con él...".
Waters se puso en contacto con EMI y Columbia dejando de manifiesto su intención de abandonar la banda, pidiéndoles que le liberasen de sus obligaciones contractuales. Con un caso legal pendiente, decidió prescindir de los servicios de O'Rourke, y contrató a Peter Rudge para manejar sus asuntos. Poco después contribuyó en la banda sonora de When the Wind Blows, y después grabó su segundo álbum en solitario, Radio K.A.O.S..
The Final Cut a menudo es visto de facto como un álbum en solitario de Waters, debido a la combinación de la parcial ruptura de Pink Floyd, y a la dominación lírica de Waters en el proyecto. La cualidad personal de las letras se achaca al empeño de Waters por luchar con la desesperación que le provocaba el cambio social que estaba sufriendo el Reino Unido, y a la pérdida de su padre en la Segunda Guerra Mundial. A pesar de esto, los solos de guitarra de Gilmour en "Your Possible Pasts" y "The Fletcher Memorial Home" a veces se comparan con sus mejores trabajos en The Wall. Reseñas más recientes del álbum mencionan la importancia de la ruptura de la banda. Stephen Thomas Erlewine, crítico de allmusic dijo: "Con su furia, énfasis en las letras, y texturas sónicas, está claro que es el álbum que Waters quiso que fuera. Y está igual de claro que Pink Floyd no podía haber seguido en esta dirección", y Stylus Magazine escribió: "Trata de perseguir algo más grande, incluso cuando tienes todo el dinero que jamás pudieses querer. Y fracasar o tener éxito de forma brillante. Depende de ti decidir si el álbum es un éxito o un fracaso, aunque yo me decanto por la primera opción en cualquier momento". Sin embargo, Mike Diver de Drowned in Sound fue menos generoso: "Los rayos de luz son pocos y muy distantes entre ellos, e incluso sobre el papel los títulos de las pistas — incluyendo 'The Gunner's Dream' y 'Paranoid Eyes' — sugieren una árdua escucha. Q Magazine lo incluyó en una lista de los diez álbumes más deprimentes de todos los tiempo. He dicho bastante, creo".

Lista de canciones.
Todas las canciones tienen a Roger Waters como vocalista principal, excepto "Not Now John" de David Gilmour y Roger Waters.
«The Post War Dream»
3:02
«Your Possible Pasts» 4:22
«One of the Few» 1:12
«The Hero's Return» 2:56
«The Gunner's Dream» 5:01
«Paranoid Eyes» 3:40
«Get Your Filthy Hands Off My Desert» 1:19
«The Fletcher Memorial Home» 4:11
«Southampton Dock» 2:13
«The Final Cut» 4:46
«Not Now John» 5:01
«Two Suns in the Sunset» 5:14

Reedición 2004
«The Post War Dream» 3:00
«Your Possible Pasts» 4:26
«One of the Few» 1:11
«When the Tigers Broke Free» 3:16
«The Hero's Return» 2:43
«The Gunner's Dream» 5:18
«Paranoid Eyes» 3:41
«Get Your Filthy Hands Off My Desert» 1:17
«The Fletcher Memorial Home» 4:12
«Southampton Dock» 2:10
«The Final Cut» 4:45
«Not Now John» 4:56
«Two Suns in the Sunset» 5:23

Créditos.
Roger Waters: voz principal, bajo, sintetizador, efectos de sonido, guitarra acústica, diseño portada.
David Gilmour: guitarra, voz, voz principal en "Not Now John".
Nick Mason: batería, percusión, efectos de sonido (con holophonics)
Músicos adicionales
Andy Bown: Hammond
Ray Cooper: percusión
Michael Kamen: piano, armonio, dirección y arreglos de la National Philharmonic Orchestra.
National Philharmonic Orchestra
Andy Newmark: batería en "Two Suns in the Sunset".
Raphael Ravenscroft: saxofón tenor

Producción:
Willie Christie: fotografía
James Guthrie: masterización, productor discográfico, ingeniería, remasterización de la reedición de 2004.
Andrew Jackson: ingeniería de sonido
Doug Sax: masterización, remasterización de las ediciones de 1994 y 1997.

The Wall.

The Wall es un álbum de estudio y el decimotercero de la banda británica, publicado en 1979. Se grabó entre abril y noviembre bajo la dirección del productor Bob Ezrin y de los miembros de Pink Floyd David Gilmour y Roger Waters. Fue lanzado el 30 de noviembre del mismo año en el Reino Unido y el 8 de diciembre en los Estados Unidos.

Este disco doble es una ópera rock que nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada "Pink", basado en su mayoría de las vivencias del propio Waters, convirtiéndolo así en una especie de álter ego antihéroe. Descrito por Roger Waters, Pink está enfermo mentalmente debido a los traumas que la vida le va deparando: La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, la presión de ser una figura famosa en el mundo de la música, su controvertido uso de drogas sumado a su asma, etc., son convertidos por él en "ladrillos de un muro" que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.
Es señalada por la crítica musical y seguidores del grupo como "uno de los mejores trabajos de la banda" y "uno de los mejores en la historia del rock", cuya atmósfera morbosa y depresiva ha inspirado a muchos otros músicos. Del mismo modo fue un inmenso éxito comercial mundial acreditándose discos de platino en más de veintitrés ocasiones, situándolo como el disco más vendido en los años 70s y en el tercer lugar de los discos más vendidos de todos los tiempos.

El principio.
La idea le surgió a Roger Waters cuando en un concierto de la gira de Animals en Montreal, (denominada Pink Floyd-In The Flesh), el comportamiento agresivo de un fan de primera fila condujo a Waters a escupirle en la cara. Inmediatamente disgustado consigo mismo y con lo que llegaban a ser algunos megaconciertos, Waters comenzó a fantasear con la idea de construir un muro entre el escenario y la audiencia, lo que llevó posteriormente a la concepción del álbum. Hay que comprender que Pink Floyd siempre abordaba sus espectáculos para que lo principal fuera lo visual y lo sonoro, dejando normalmente al grupo en un segundo plano en la penumbra del escenario. Así, sobre todo, Waters sentía rechazo por la alienación que percibía entre los fans con los grandes grupos y superestrellas del rock, (de hecho, en su carrera posterior en solitario solía rehuir los grandes espacios) y esta semilla está en la concepción de The Wall y forma parte de la historia en los temas “In The Flesh” y “Young Lust”. A esta idea se le añadieron otros "ladrillos" como la guerra, la sobreprotección materna, el fracaso sentimental, la violencia policial, la educación infantil o la locura (Syd Barrett -fundador del grupo- dejó el grupo por ella), llegando a construir el esqueleto conceptual del muro (The Wall). Así, el concepto y la mayoría de temas del álbum son obra de Roger Waters.

Historia.
La historia nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada “Pink”, que se convierte en un antihéroe mentalmente enfermo debido a los traumas que la vida le va deparando. La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial en una acción en la que los mandos británicos sacrificaron a muchos soldados, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, su mundo de superestrella, etc., son convertidos por él en ladrillos de un muro que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva. Durante un intento de suicidio con drogas, la alucinación lo convierte en un dictador fascista, el polo radicalmente opuesto a lo que “Pink” siente y es, señalando el punto sin retorno a la locura, pero que finalmente “Pink” no quiere traspasar. Finalmente se celebra "un juicio" ficticio y simbólico contra “Pink”, que termina con la condena de derribar el muro y exponerse al mundo exterior, en una liberación final que permite a “Pink” volver a “fluir”.
Después de que Roger Waters abandonara Pink Floyd en 1985, se entabló con David Gilmour y Nick Mason una disputa legal acerca de los derechos sobre la marca “Pink Floyd” y todo su material producido hasta la fecha, y que terminó dando a Gilmour y Mason los derechos sobre la marca y la mayoría de la obra, pero que dejó a Waters los derechos sobre The Wall y el resto de sus composiciones para Pink Floyd.

Conciertos.
Pink Floyd desarrolló una corta gira con The Wall entre 1980 y 1981, pero sólo en unas pocas ciudades (Nueva York, Los Ángeles, Londres y Dortmund). El espectáculo incluyó la proyección de secuencias de animación que posteriormente servirían para la película, así como reproducciones de los personajes como gigantescas marionetas, todo ello realizado por Gerald Scarfe. El espectáculo comenzaba con los supuestos miembros de Pink Floyd con las caras cubiertas por máscaras, para ser poco a poco ocultados a la audiencia por la construcción de un gigantesco muro en el que se sucedían las proyecciones y las actuaciones de las marionetas, y que finalmente era destruido de forma explosiva durante “The Trial” (el juicio), todo ello según se desarrollaba la propia historia.
Este impresionante montaje requirió importantes cantidades de dinero, lo que ocasionó un desastre económico para Pink Floyd. Paradójicamente, Richard Wright, que había abandonado el grupo por petición expresa de Waters durante la grabación en 1979 y que participaba en estos conciertos como músico a sueldo, fue el único que ganó dinero con la producción.

Waters en solitario.

Roger Waters en solitario organizó el gigantesco concierto “The Wall Live in Berlin”, en Berlín, Alemania, el 21 de julio de 1990, con varios famosos músicos, incluyendo a Van Morrison, Sinéad O'Connor, Cyndi Lauper, Scorpions, Jerry Hall y Bryan Adams, entre otros, para conmemorar la caída del Muro de Berlín y para posibilitar la creación de una fundación World War Memorial Fund for Disaster Relief contra las guerras y sus consecuencias. Actualmente en sus giras, toca alguna de las canciones.

La versión de cine de The Wall se filmó en 1982 por la Metro-Goldwyn-Mayer bajo el título de Pink Floyd The Wall, con Alan Parker como director y Bob Geldof (el líder de los Boomtown Rats) como "Pink". También participaron en escenas Bob Hoskins y la joven Joanne Whalley. La película sigue de cerca la estructura musical del álbum, con algunas pocas modificaciones, pero cuenta con una intriga específica y narrativa. Las escenas de animación, a cargo de Gerald Scarfe, son un elemento asimismo clave de la obra.
Roger Waters dijo en 1988 en una entrevista de radio, en relación con la película:
Era un poco desagradable para mí porque al final del día no sentía ninguna simpatía por el protagonista (Pink) que encarnaba Geldof. El impacto sobre los sentidos era tan continuo y fuerte que realmente no me permitió sentirme involucrado con él.

Teatro.
En 2004 se anunció la firma de un contrato para producir un musical en Broadway basado en The Wall, y que incluiría nuevos temas y arreglos del propio Waters. Sin embargo, se desconoce todavía que ocurrirá con las canciones en cuya composición participó David Gilmour (“Young Lust”, “Run Like Hell” y “Comfortably Numb”), así como la fecha de su estreno (si es que realmente se lleva a cabo el proyecto).

Reconstruyendo el muro.
En 2007 se publica una versión de "The Wall" reinterpretada por grandes grupos del rock de todos los tiempos en homenaje a Roger Waters y su grupo. Participan artistas de la talla de Jethro Tull, King Crimson, The Doors, Deep Purple, Gentle Giant, Yes, Asia, Styx, ELP, The Cars, Toto, Montrose y muchos más. El disco está editado por "Phantom Records" y se titula "Re-building The Wall. A tribute to Pink Floyd".

Lista de canciones.
“In the Flesh?” – 3:16
Vocalista principal: Roger Waters

“The Thin Ice” – 2:30
Vocalistas principales: David Gilmour y Roger Waters

“Another Brick in the Wall (Part I)” – 3:10
Vocalista principal: Roger Waters

“The Happiest Days of Our Lives” – 1:49
Vocalista principal: Roger Waters

“Another Brick In The Wall (Part II)” – 4:00
Vocalistas principales: David Gilmour, Roger Waters, y the Islington Green School Choir en el coro

“Mother” – 5:36
Vocalistas principales: David Gilmour and Roger Waters

“Goodbye Blue Sky” – 2:45
Vocalista principal: David Gilmour

“Empty Spaces” – 2:10
Vocalista principal: Roger Waters

“Young Lust” (David Gilmour/Roger Waters) – 3:25
Vocalista principal: David Gilmour

“One of My Turns” – 3:35
Vocalista principal: Roger Waters

“Don't Leave Me Now” – 4:16
Vocalista principal: Roger Waters, “ooohh babe...” section at the end sung by David Gilmour

“Another Brick in the Wall (Part III)” – 1:14
Vocalista principal: Roger Waters

“Goodbye Cruel World” – 1:13
Vocalista principal: Roger Waters

“Hey You” – 4:40
Vocalistas principales: David Gilmour y Roger Waters

“Is There Anybody Out There?” – 2:44
Vocalista principal: Roger Waters

“Nobody Home” – 3:26
Vocalista principal: Roger Waters

“Vera” – 1:35
Vocalista principal: Roger Waters

“Bring the Boys Back Home” – 1:21
Vocalista principal: Roger Waters

“Comfortably Numb” (David Gilmour/Roger Waters) – 6:24
Vocalistas principales: David Gilmour (coro) y Roger Waters (versos)

“The Show Must Go On” – 1:36
Vocalista principal: David Gilmour

“In the Flesh” – 4:13
Vocalista principal: Roger Waters

“Run Like Hell” (David Gilmour/Roger Waters) – 4:19
Vocalista principal: Roger Waters

“Waiting for the Worms” – 4:04
Vocalistas principales: David Gilmour y Roger Waters

“Stop” – 0:30
Vocalista principal: Roger Waters

“The Trial” (Roger Waters/Bob Ezrin) – 5:13
Vocalista principal: Roger Waters

“Outside the Wall” – 1:41
Vocalista principal: Roger Waters
Todas las letras son de Roger Waters, excepto las indicadas.

Canciones añadidas en la película.
“When the Tigers Broke Free” (presente en el álbum Echoes de 2001 y en la versión de The Final Cut de 2004).
“What Shall We Do Now” (versión original del tema “Empty Spaces” del álbum con letras distintas)

Canciones añadidos de los conciertos.
La gira de The Wall, incluyó los siguientes temas no presentes en el álbum original:
“What Shall We Do Now?” después de “Empty Spaces”
“The Last Few Bricks” después de “Another Brick in the Wall (Part III)”

NOTA: A finales de 2009 comenzó a circular el rumor de que Roger Water planeaba hacer una gira de The Wall 2010 - 2011

ANIMALS.

Animals es el octavo álbum de estudio del grupo, grabado en 1976 y lanzado en 1977. Si bien el álbum no tuvo el mismo éxito comercial, crítico y entre los fans que tuvieron sus dos antecesores y The Wall, Animals es considerado por muchos fanáticos de la banda como su mejor obra.

Concepto.
El álbum establece las pautas de identificación de estratos sociales mediante el concepto de la animalización basándose en la novela escrita por George Orwell, Rebelión en la granja (en concreto las tres canciones centrales, de más de diez minutos de duración). Roger Waters (quien para este álbum había tomado el control creativo del grupo, componiendo todas las canciones, salvo en el caso de "Dogs" que compuso junto a Gilmour) clasifica a todos los humanos en tres clases distintas: perros (empresarios megalomaníacos), cerdos (políticos y moralistas, con referencias a Margaret Thatcher y Mary Whitehouse) y ovejas (quienes no pertenecen a ninguna de las dos categorías anteriores, y siguen ciegamente a los perros y los cerdos). Se ha criticado en ciertos sectores a este álbum por atacar abiertamente el sistema imperante sin exponer a cambio ninguna idea constructiva como alternativa.
"Dogs" y "Sheep" se llamaban originalmente "You Gotta Be Crazy" y "Raving And Drooling" (y fueron tocadas bajo esos nombres en los shows que dio la banda durante 1974 y 1975). Las tres canciones más importantes están rodeadas por dos canciones casi iguales entre sí llamadas "Pigs On The Wing", las cuales son canciones de amor para la esposa de Roger (Caroline), basadas en la guitarra acústica y contrastan claramente con la oscuridad de las canciones principales. Las ediciones de los cartuchos de 8 pistas contienen un pasaje de guitarra tocado por Snowy White, que une ambas partes.

Carátula.
El cerdo gigante relleno de helio que se ve en la tapa sobrevolando la Battersea Power Station fue atada a la misma para realizar las fotos. Por esta razón, contrataron a un francotirador para que le disparara en caso de que el cerdo saliera volando, pero el segundo día de las tomas nadie le dijo que se presentara, e irónicamente una ráfaga de viento soltó el cerdo, por lo que, al no haber nadie que le disparara, salió volando en el cielo matutino. Un avión de pasajeros reportó el cerdo, haciendo que todos los vuelos del Aeropuerto de Heathrow de Londres fueran retrasados. Una leyenda dice que, una vez que el avión aterrizó, al piloto se le hicieron pruebas para ver si se encontraba ebrio. Un helicóptero policial fue enviado para seguir al cerdo, pero se vio forzado a regresar tras seguirlo a una altura de 5.000 p. Una advertencia fue enviada a otros pilotos de que había un enorme cerdo volador rosado suelto y volando en el área. La CAA perdió contacto con su radar del mismo cerca de Chatham en Kent, a una altura de 18.000 p, cuando volaba hacia el este, en dirección a Alemania. Finalmente cayó en el campo de un granjero, sin causar daño, aunque el granjero se quejó porque asustó a sus ovejas. Las fotos resultantes no fueron consideradas adecuadas, y la imagen final es una mezcla de la imagen de la estación del primer día y la del cerdo del segundo. Aunque Waters no quería que se usara una imagen "arreglada", la cobertura de las nubes sobre la estación hicieron que fuera necesario. El concepto fue diseñado en gran parte por Storm Thorgerson de Hipgnosis (junto con integrantes de la banda), quien diseñó la cubierta de otros álbumes anteriores de la banda.

Grabación.
Animals fue grabado en el recien creado estudio, Brittania Row, que ellos mandaron a construir. Aunque algunos fans creen que las tensiones reales en Pink Floyd iniciaron en este álbum, el batería Nick Mason ha dicho que disfrutó más grabando este álbum que Wish You Were Here y que fue como volver al trabajo de equipo, quizá porque la responsabilidad del estudio corría por parte de ellos. De todas maneras, tanto David Gilmour como Rick Wright han mostrado insatisfacción con este album a lo largo de los años.
Otros cerdos inflables han sido usados desde entonces en los conciertos de Pink Floyd.

Lista de temas.
"Pigs on the Wing (Part 1)" (Waters) 1:25
"Dogs" (Waters, Gilmour) 17:04
"Pigs (Three Different Ones)" (Waters) 11:26
"Sheep" (Waters) 10:24
"Pigs on the Wing (Part 2)" (Waters) 1:25

Créditos.
Roger Waters - bajo, voz, guitarra acústica, guitarra rítmica,
vocoder, efectos de cinta, diseño
David Gilmour - guitarra, voz, bajo, sintetizador
Richard Wright- órgano Hammond, piano, sintetizador, coros
Nick Mason - batería, percusión, efectos de cinta, diseño gráfico.

Otras participaciones.
Howard Bartrop - fotografía
Rob Brimson - fotografía
Peter Christopherson - fotografía
Bob Ellis - fotografía
Howard Bartrop - fotografía
Colin Jones - fotografía
Hipgnosis - fotografía
Pink Floyd - fotografía
Nick Tucker - fotografía
Aubrey Powell - fotografía, organización
Storm Thorgerson - fotografía, organización
Nick Tucker - fotografía
James Guthrie - supervisor de remasterización
Doug Sax - remasterización digital
Brian Humphries - ingeniero

WISH YOU WERE HERE.
Wish You Were Here es el séptimo álbum de estudio de la banda británica de rock Pink Floyd, lanzado en septiembre de 1975 e inspirado en el material que compusieron durante su gira europea de 1974 y que grabaron en los Abbey Road Studios de Londres. Su temática explora la ausencia, la industria musical y los problemas mentales del anterior miembro de la banda Syd Barrett. Las sesiones de grabación fueron arduas y complicadas, en parte por la idea de Roger Waters de dividir la canción "Shine On You Crazy Diamond" en dos, para después unir cada mitad con tres nuevas composiciones. "Shine On" es un tributo a Barrett, quien, irónicamente se presentó en los estudios el 5 de junio mientras se grababa. A la banda le costó reconocerle por el peso ganado y su cambio de aspecto.
Al igual que en su álbum previo, The Dark Side of the Moon, la banda utilizó distintos efectos de sonido y sintetizadores. Roy Harper colaboró como vocalista en la canción "Have a Cigar". El diseño artístico del álbum, nuevamente en manos de Storm Thorgerson, contiene una funda negra y opaca que tapa la portada del mismo. Wish You Were Here se estrenó en Knebworth en julio de 1975, para después ser lanzado oficialmente en septiembre de ese mismo año. Fue un éxito inmediato; la compañía discográfica EMI ni siquiera pudo editar las suficientes copias para satisfacer la demanda. Al comienzo recibió críticas positivas y negativas, aunque está posicionada en el puesto número 209 de la lista de los 500 mejores álbumes de la historia elaborada por la revista Rolling Stone. Los miembros de la banda Richard Wright y David Gilmour coinciden en que Wish You Were Here es su álbum favorito de Pink Floyd.

Historia.
Durante 1974, Pink Floyd compuso tres nuevos temas; "Raving and Drooling", "Gotta Be Crazy" y "Shine On You Crazy Diamond", que tocaron previamente en una serie de conciertos por Francia y el Reino Unido, como parte de su primera gira desde la que hicieron para promocionar The Dark Side of the Moon en 1973. La banda nunca había contratado a un publicista y poco a poco se estaban distanciando de la prensa. Su relación con la misma comenzó a agriarse, por lo que después de una fuerte crítica de Nick Kent (devoto de Syd Barrett) sobre su nuevo material y otra de Pete Erskine de la revista NME, regresaron al estudio la primera semana de 1975 para comenzar a dar forma a su nuevo álbum.

Concepto.
Wish You Were Here es el segundo álbum de Pink Floyd en utilizar una temática conceptual escrita íntegramente por Waters, y evoca su sentimiento de que la camaradería que alguna vez se había sentido entre los miembros de la banda, hacía tiempo que estaba ausente. El álbum comienza con una introducción instrumental de ocho minutos y medio, antes de empezar con "Shine On You Crazy Diamond". "Shine On" es un tributo al antiguo miembro de la banda Syd Barrett, obligado a abandonar la banda por una crisis nerviosa debida al consumo de drogas que le acarreó problemas mentales unos años antes. Barrett es recordado con frases como "Remember when you were young, you shone like the sun" ("Acuérdate de cuando eras joven, brillabas como el sol") y "You reached for the secret too soon, you cried for the moon" ("Intentaste conocer el secreto demasiado pronto, anhelaste la luna").
El álbum es también una crítica a la industria musical; "Shine On" se junta con "Welcome to the Machine", que comienza con la apertura de una puerta —descrito por Waters como "símbolo de un descubrimiento y progreso musicales traicionados por la industria musical que está más interesada en el éxito y que se muestra avariciosa"—. La canción termina con sonidos de una fiesta, tipificando "la falta de contacto y sentimientos reales entre la gente". "Have a Cigar" desdeña a los "peces gordos" de la industria musical de forma similar, utilizando frases como "casi no sabe contar" o "por cierto, ¿cuál de ellos es Pink?" —esta última, una pregunta que en al menos en una ocasión se le planteó a la banda—. "Wish You Were Here" contiene letras relacionadas no sólo con la condición de Barrett, sino también con la dicotomía del carácter de Waters, como idealista, así como su personalidad dominante. El álbum acaba con una repetición de "Shine On", y más partes instrumentales.

Grabación.

Alan Parsons fue el ingeniero de la EMI responsable del anterior álbum de Pink Floyd The Dark Side of the Moon, aunque decidió rehusar la oferta de la banda para seguir trabajando con ellos (comenzando un proyecto propio llamado The Alan Parsons Project). La banda había trabajado previamente con Brian Humphries en la banda sonora More —grabado en los Pye Studios —y nuevamente en 1974, al reemplazar a un técnico de directo de poca experiencia, por lo que le reclutaron para grabar los nuevos temas, aunque por no conocer bien los estudios Abbey Road se encontró con varias dificultades en el comienzo, incluyendo un error que trajo como consecuencia estropear las primeras versiones de "Shine On". Se tuvo que regrabar toda la pista, llena de reverberación.
La banda, que estaba trabajando en el estudio número tres, comenzó teniendo problemas para crear nuevo material, especialmente porque el éxito de Dark Side of the Moon les había dejado agotados emocional y físicamente. Richard Wright dijo de esas primeras sesiones de grabación que ocurrieron "en un periodo difícil", mientras que Roger Waters dijo que fueron "una tortura". El batería Nick Mason encontró el proceso de grabación multipista agotador y tedioso, mientras que David Gilmour estaba más interesado en mejorar el material ya existente de la banda que en crear un material nuevo. Además se estaba comenzando a sentir frustrado con Mason, cuyo matrimonio fallido le había dejado apático, cosa que afectó a su forma de tocar. Mason ha dicho que la diatriba de Nick Kent en la revista NME posiblemente tuviese algo que ver en la supervivencia de la banda.
"Tengo que decir que fue un período muy difícil. Todos tus sueños de la infancia se habían cumplido y teníamos el álbum más vendido del mundo y todo por lo que nos metimos en esto. Las chicas, el dinero, la fama y todo ... todo nos había venido de cara y tenías que volver a pensarte porqué estabas metido en esto, fue una época bastante confusa y bastante vacía durante un tiempo "... (David Gilmour).
Sin embargo, a las pocas semanas Waters comenzó a visualizar otro concepto. Las tres nuevas composiciones escritas durante la gira de 1974 eran un punto de partida para el álbum, y "Shine On You Crazy Diamond" parecía una elección lógica para ser el centro de todo. Era básicamente un instrumental de más de veinte minutos similar a "Echoes"; la pieza inicial de guitarra recordó a Waters la figura de Syd Barrett. La pieza la compuso Gilmour por accidente, aunque siguió con ello gracias a la respuesta positiva de Waters. La idea de Waters era dividir "Shine On You Crazy Diamond" en dos, y colocar en medio dos nuevas canciones. Gilmour no estaba de acuerdo, pero se resignó porque los otros tres eran mayoría. "Welcome to the Machine" y "Have a Cigar" eran ataques encubiertos hacia la industria musical, mientras que las letras se fusionaban con "Shine On" para crear un sumario sobre las subidas y bajadas en la vida de Barrett; "Porque quería acercarme al máximo a lo que sentía ... esa melancolía indefinible e inevitable sobre la marcha de Syd". "Raving and Drooling" y "Gotta Be Crazy" finalmente no tuvieron cabida en el nuevo álbum, por lo cual fueron desechadas.

La visita de Barrett.
Uno de los momentos más significativos de las sesiones de grabación de Wish You Were Here ocurrió el 5 de junio de 1975. Ese día Gilmour se unió en matrimonio por primera vez, además de ser el día previo a la segunda gira estadounidense de la banda ese año. La banda se encontraba completando el proceso de mezcla de "Shine On", cuando un hombre con sobrepeso, la cabeza y cejas afeitadas y con una bolsa de plástico en la mano entró en los estudios. Waters en un principio no le reconoció. Wright tampoco sabía quién era. Supuso que era un amigo de Waters y le preguntó al respecto, antes de darse cuenta de que era Syd Barrett. Gilmour pensó inicialmente que era un empleado de EMI, mientras que Mason tampoco le reconoció; diciendo que se sintió "horrorizado" cuando Gilmour se lo dijo. En Inside Out (2005) Mason recordó la conversación de Barrett de ese día como "desganada y no enteramente coherente". Storm Thorgerson reflexionó sobre la presencia de Barrett: "Dos o tres personas lloraron. Estuvo por ahí y habló un poco, pero realmente no estaba allí".
Waters estaba visiblemente afectado por ver el estado de Barrett, a quién Andrew King preguntó cómo podía haber ganado tanto peso. Barrett dijo que tenía un refrigerador muy grande en la cocina, y que había estado comiendo muchas chuletas de cerdo. También mencionó que estaba listo para aportar a la banda, aunque al escuchar la mezcla de "Shine On" mencionó que no entendía la relevancia del tema dentro de su propia difícil situación. Se unió a los invitados de la boda de Gilmour en la cafetería de EMI, aunque se marchó sin ni siquiera despedirse. Ningún miembro de la banda le volvió a ver hasta su muerte en 2006. Aunque las letras ya estaban acabadas, la presencia de Barrett ese día en los estudios influyó en la versión final de la canción -cantada por Wright, se oye el estribillo de "See Emily Play" hacia el final del álbum.
"Estoy muy triste por lo de Syd. Por supuesto que era importante y la banda nunca hubiese comenzado sin él porque componía todo el material. No podía haber ocurrido sin él pero, por otro lado, no podíamos haber seguido con él. "Shine On" realmente no trata sobre Syd -él es sólo un símbolo para todos los extremos de ausencia que algunas personas han de consentir porque es la única manera que pueden soportar lo jodidamente triste que es la vida moderna, para retirarse completamente. Lo encontré terriblemente triste."... (Roger Waters).

Instrumentación.

Al igual que con The Dark Side of the Moon, la banda utilizó sintetizadores como el VCS3 (en "Welcome to the Machine"), aunque suavizados con la guitarra acústica de Gilmour y la percusión de Mason. El comienzo de "Shine On" contiene retazos de algunas composiciones previas de la banda, conocidas como Household Objects. Se utilizaron vasos de vino llenos de diferentes cantidades de fluidos para grabar una serie de sonidos al pasar el dedo por los bordes de ellas. Estas grabaciones se hicieron como multipistas y se usaron para la apertura de "Shine On".
El violinista de jazz Stéphane Grappelli y el clásico Yehudi Menuhin se encontraban en otro de los estudios del mismo edificio cuando se les invitó a grabar una de las piezas del nuevo álbum. Menuhin vio a Grappelli tocar, aunque finalmente la banda decidió no usar su contribución y grabó encima. Aunque Grappelli no fue acreditado por su contribución (la banda presumió que podía sentirse insultado), se le pagaron £300 por ella. Dick Parry volvió a contribuir tocando el saxofón, esta vez en "Shine On You Crazy Diamond". Los primeros compases de "Wish You Were Here" se grabaron de la radio del coche de Gilmour, mientras alguien iba cambiando de dial (la música clásica que se escucha es la cuarta sinfonía de Tchaikovsky).

Voces.
Las sesiones de grabación fueron interrumpidas en dos ocasiones por la gira de Estados Unidos (una en abril y la otra en junio de 1975), además de que las últimas sesiones, llevadas a cabo después del estreno del álbum en un concierto en Knebworth, resultaron muy problemáticas para Waters. Pasó apuros para grabar las voces de "Have a Cigar", por lo que tuvo que hacer varias tomas hasta conseguir el resultado deseado. Los problemas venían por culpa de su limitado registro vocal, además de por las tensiones que pasó a la hora de grabar su parte vocal en "Shine On". Se le pidió a Gilmour que cantase en su lugar, pero se negó, por lo que finalmente lo hizo Roy Harper. En aquel momento Harper se encontraba grabando su propio álbum en los estudios de Abbey Road, en el que Gilmour ya había colaborado en algunas piezas de guitarra. Waters más tarde se arrepintió de la decisión, creyendo que finalmente lo tenía que haber hecho él mismo. The Blackberries grabaron los coros de "Shine On".

Presentación.
Wish You Were Here se puso a la venta con una de las presentaciones más elaboradas de los álbumes de Pink Floyd. Storm Thorgerson acompañó a la banda en su gira de 1974, y había estado pensando sobre el significado de las canciones, preocupado, en general, con las "presencias incumplidas", más que con la enfermedad de Barrett.

El tema de la ausencia se refleja en las ideas que se sacaron después de horas de brainstorm con la banda. Thorgerson notó que el álbum de Roxy Music Country Life se vendía con un envoltorio verde -dejando la portada censurada- por lo que copió la idea, disimulando el diseño gráfico de Wish You Were Here con un envoltorio oscuro (haciendo que la portada fuese "invisible"). El concepto existente detrás de "Welcome to the Machine" y "Have a Cigar" le sugirió el uso de un "choque de manos" (un gesto, a veces vacío), por lo que George Hardie diseñó una pegatina que contenía un logotipo de dos manos mecánicas chocándose para colocarlo en el envoltorio exterior de la portada. La portada del álbum se inspira en la idea que la gente suele reprimir sus verdaderos sentimientos, por miedo a "quemarse", por lo que aparecen dos empresarios chocándose las manos, mientras uno de ellos está en llamas. "Getting burned" ("Quemarse") además era frase común en la industria musical, usada a menudo por artistas a los que se les negaba regalías. Para la foto se usaron dos especialistas (Ronnie Rondell y Danny Rogers), uno de ellos enfrascado en un traje ignífugo y un traje de negocios encima del mismo. Tenía la cabeza protegida con una capucha, debajo de una peluca. La foto se tomó en los estudios de la Warner Bros. en Los Ángeles. Al comienzo de la sesión fotográfica el viento soplaba en la dirección equivocada, por lo que las llamas iban derechas a la cara de Rondell, quemándole el bigote. Los especialistas cambiaron de posiciones, y luego se revirtieron sus posiciones en el estudio.
La contracubierta del álbum representa un "empresario Floyd" sin rostro, que en palabras de Thorgerson estaba "vendiendo el alma" en el desierto (fotografiado en el desierto de Yuma en California). La ausencia de muñecas y tobillos representa su "traje de negocios vacío". En el interior se ve un velo azotado por el viento en un bosque de Norfolk, junto a un saltador (que no salpica) en el Lago Mono - llamado en el libreto interior Monosee - en California (nuevamente enfatizando el tema de la ausencia). La decisión de envolver el álbum con un plástico negro no gustó a la compañía que distribuía el álbum en Estados Unidos, Columbia Records, que insistieron que se cambiase. Sin embargo, a EMI no les importó; los miembros de la banda dijeron sentirse extremadamente contentos con el resultado final, y cuando recibieron la maqueta de pre-producción, lo aceptaron con una espontánea ronda de aplausos.

Recepción.
La mayor parte de Wish You Were Here se estrenó el 5 de julio de 1975 en un festival al aire libre en Knebworth. En el mismo evento participaba el cantante Roy Harper, quien al descubrir que el vestuario que iba a utilizar en el concierto había desaparecido procedió a destrozar una de las furgonetas de Pink Floyd (sufriendo sendas heridas en el proceso). Esto hizo que hubiera un retraso en el montaje de sonido de la banda; estaba previsto que un par de aviones Supermarine Spitfire de la Segunda Guerra Mundial sobrevolaran el público durante la entrada de la banda, por lo que no se podían permitir retrasos. Un problema con el sistema de corriente contribuyó a que los teclados de Wright sonaran mal, y la actuación de la banda sufrió por ello. Resultó que cada vez que se subía el volumen general, los teclados de Wright desafinaban. En un momento del concierto Wright abandonó el escenario, aunque decidieron seguir con un teclado menos sensible, un piano, y un espectáculo lumínico más simple. Después de un breve receso volvieron para interpretar The Dark Side of the Moon, aunque los críticos, descontentos por haber sido denegado el acceso al backstage criticaron duramente la actuación.
El álbum se lanzó al mercado el 12 de septiembre de 1975 en el Reino Unido y, en Estados Unidos el día siguiente. En el Reino Unido, gracias al prensado de 250.000 copias iniciales entró directamente al puesto número uno de ventas, por lo que EMI, ante la gran demanda, tuvo que informar a los distribuidores que sólo se podrían servir la mitad de sus pedidos. Con 900.000 copias iniciales en Estados Unidos (la cantidad más alta de Columbia hasta la fecha) llegó al puesto número uno de la lista de Billboard 200 en su segunda semana. Hasta 1991, Wish You Were Here fue el álbum de la historia de Pink Floyd que más rápidamente vendió, aunque inicialmente recibió algunas reseñas negativas:
"Shine on You Crazy Diamond en un comienzo es creíble porque pretende confrontar el tema de Syd Barrett, la larga o probablemente eterna pérdida del guía del Floyd original. Pero la idea potencial no se realiza; dan una lectura tan literal del jodido tema que podrían estar cantando sobre el cuñado de Waters recibiendo una multa de aparcamiento. Esta conducta displicente, fuerza entre otras cosas una reevaluación de su relación con todas las orquestas de cadetes que apadrinaron inconscientemente. Una de las cosas que esas bandas tienen, en su forma inepta y cacofónica, es una sincera pasión por su 'arte'. Y pasión es de lo que carece Pink Floyd"... (Ben Edmunds, Rolling Stone).

Robert Christgau fue más positivo, escribiendo "... la música no es sólo simple y atractiva, con el sintetizador usado sólo para texturas y las piezas de guitarra para comentar, pero realmente consigue algo de la dignidad sinfónica que The Dark Side of the Moon simuló tan ponderosamente". Sin embargo, Melody Maker lo despreció diciendo: "Desde cualquier dirección que se aborde Wish You Were Here sigue sonando inconvincente en su sinceridad ponderosa y muestra una falta de imaginación en todos los aspectos". A pesar de todo esto, en 2003 se posicionó al álbum en el puesto número 209 de la lista de "los 500 mejores álbumes de todos tiempos elaborada por la revista Rolling Stone. En 1998 los lectores de la revista Q votaron para que Wish You Were Here estuviese en el puesto número 34 de su lista de los "mejores álbumes de todos los tiempos". En el año 2000 la misma revista lo posicionó en el puesto número 43 de su lista de los "100 mejores álbumes británicos de todos los tiempos". En 2007, una de las emisoras de radio más grandes de Alemania, WDR 2, pidió que sus oyentes votaran "los 200 mejores álbumes de la historia". Wish You Were Here quedó en el primer puesto. En 2004, Wish You Were Here se posicionó en el puesto número 36 de la lista de "los 100 mejores álbumes de los años 1970" elaborada por Pitchfork Media.
A pesar de los problemas surgidos durante la producción, el álbum es el favorito de Wright— "Es un álbum que puedo escuchar por disfrute, y no hay muchos álbumes de Floyd con los que pueda hacer eso". Gilmour opina igual— "Yo diría que es mi álbum favorito. El resultado final con todo, lo que fuera, definitivamente me ha dejado un álbum con el que puedo convivir de forma muy feliz. Me gusta mucho".

Ventas.
Pink Floyd y su mánager Steve O'Rourke no estaban satisfechos con los esfuerzos de su discográfica en Estados Unidos, Capitol Records (subsidiaria de EMI), por lo que Wish You Were Here se convirtió en el primer álbum de Pink Floyd en ser distribuido allí por Columbia Records — afiliado de CBS. A pesar de esto, la banda siguió con Harvest Records de EMI en Europa. Como resultado de este cambio de discográfica, la banda serían dueños de sus grabaciones de aquí en adelante - todos los álbumes posteriores a Wish You Were Here ponen los derechos de autor en manos de "Pink Floyd Music Limited" o (después de la marcha de Waters) "Pink Floyd (1987) Ltd.", en lugar de a su discográfica.
El álbum fue certificado plata y oro (60.000 y 100.000 copias vendidas, respectivamente) en el Reino Unido el 1 de agosto de 1975, y oro en Estados Unidos el 17 de septiembre de 1975. El 16 de mayo de 1997 fue certificado seis veces platino, y a fecha de 2004 ha vendido más de 13 millones de copias a nivel mundial. Columbia escogió "Have a Cigar" como primer sencillo extraído del álbum, con "Welcome to the Machine" como Cara B en Estados Unidos.

Reediciones y remasterizaciones.
Wish You Were Here ha sido remasterizado y reeditado en varias ocasiones y en varios formatos distintos. En el Reino Unido y Estados Unidos el álbum se relanzó en sonido cuadrafónico en 1976, y en 1980 se lanzó un especial Hi-Fi Today en el Reino Unido. En Estados Unidos se lanzó en CD en 1983, mientras que en el Reino Unido tendría que esperar hasta 1985, y nuevamente remasterizado en 1994 con diseño gráfico nuevo . En Estados Unidos CBS Mastersound (subsidiaria de Columbia) lanzó una edición masterizada a la mitad de revoluciones en LP en 1981, y en 1994 Sony Mastersound lanzó una edición en CD recubierto de oro de 24k, remasterizado usando Super Bit Mapping, con el diseño gráfico original en dos formatos distintos. También se incluyó el álbum dentro de la caja recopilatoria Shine On, y cinco años después Columbia Records lanzó una versión en CD remasterizada, 17 segundos más larga que la remasterización de EMI de 1994, contando finalmente con una duración de 44:28. Su etiqueta es una recreación del logo original, sobre fonfo azul y negro. Se volvió a lanzar en 2000 para celebrar su vigésimo quinto aniversario, a través de Capitol Records en Estados Unidos, y a través de EMI para el resto del mundo, utilizando la misma remasterización de 1992 que aparece en Shine On, pero con el diseño gráfico de la edición de EMI de 1994.

Lista de canciones.

«Shine On You Crazy Diamond (Parts I–V)» Gilmour, Waters, Wright 13:30
«Welcome to the Machine» Waters 7:31
«Have a Cigar» Waters 5:08
«Wish You Were Here» Gilmour 5:40
«Shine On You Crazy Diamond (Parts VI–IX)» Gilmour, Waters, Wright 12:31

Créditos.

-David Gilmour, voz, guitarra, steel guitar, EMS Synthi AKS, teclados, efectos de sonido; guitarra acústica de 6 y de 12 cuerdas en "Wish You Were Here"
-Roger Waters, voz, bajo, guitarra, VCS3, efectos de sonido
-Nick Mason, batería, percusión, efectos de sonido
-Richard Wright, teclados, VCS3, clavinet, coros.

Músicos adicionales.
Dick Parry, saxofón en "Shine On You Crazy Diamond"
Roy Harper, voz en "Have a Cigar"
Venetta Fields y Carlena Williams – coros

Producción:
Brian Humphries – ingeniero de sonido
Peter James – ingeniero, asistente de ingeniero
Bernie Caulder
Phil Taylor – fotografía adicional (remasterización)
Hipgnosis – diseño, fotografía
Peter Christopherson, Jeff Smith, Howard Bartrop y Richard Manning – asistentes de diseño
George Hardie – diseño gráfico
Jill Furmanovsky – fotografía adicional (remasterización)
James Guthrie – productor de remasterización
Doug Sax – remasterización

THE DARK SIDE OF THE MOON.
The Dark Side of the Moon (titulado en la edición de disco compacto de 1993 como Dark Side of the Moon; en español: El lado oscuro de la luna) es un álbum conceptual y el noveno de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd, lanzado el 17 de marzo de 1973 en Estados Unidos y el 24 de marzo del mismo año en el Reino Unido. El álbum está construido a partir de las ideas que Pink Floyd había explorado en sus conciertos y anteriores grabaciones, pero carece de los largos instrumentales que caracterizaban a los trabajos posteriores a la marcha en 1968 de su miembro fundador, principal compositor y letrista, Syd Barrett. La temática del álbum incluye el conflicto, la avaricia, el envejecimiento y la enfermedad mental, tema este último inspirado en parte por el deterioro mental de Barrett.
El álbum se desarrolló como parte de una futura gira de la banda, estrenándose en directo varios meses antes de que siquiera hubieran comenzado las grabaciones en el estudio. El nuevo material se fue refinando a medida que avanzaba la gira, y fue grabado en dos sesiones en 1972 y 1973 en los Abbey Road Studios de Londres. Pink Floyd usó algunas de las técnicas de grabación más avanzadas de la época, incluyendo grabaciones multipista y loops. En varias de las pistas se usaron sintetizadores analógicos, mientras que una serie de entrevistas con la banda y el equipo técnico aparecen a lo largo del álbum en forma de citas filosóficas. Alan Parsons fue el responsable de algunos de los aspectos sónicos más innovadores del álbum, incluyendo la interpretación no léxica de Clare Torry.
The Dark Side of the Moon fue un éxito inmediato, llegando en Estados Unidos a lo más alto de la lista Billboard 200 durante una semana. Permaneció en las listas 749 semanas (catorce años), siendo así el álbum que más tiempo ha permanecido en listas de la historia. Con una estimación de ventas de 45 millones de copias, es el álbum más exitoso de Pink Floyd y uno de los más vendidos a nivel mundial de la historia. Ha sido remasterizado y reeditado en dos ocasiones, además de haber sido versionado por varias bandas. Del álbum se extrajeron dos sencillos: «Money» y «Us and Them». Además de su éxito comercial, podría decirse que The Dark Side of the Moon es el álbum más popular entre los seguidores y críticos, y aparece frecuentemente en las listas de mejores álbumes de todos los tiempos.

Contexto.
Después del lanzamiento de Meddle, los miembros de la banda se reunieron en diciembre de 1971 para una gira por el Reino Unido, Japón y Estados Unidos. Mientras ensayaban en Broadhurst Gardens, Londres, tenían en perspectiva la inminente creación de un nuevo álbum, aunque su prioridad era la creación de nuevo material. En una reunión en casa del batería Nick Mason en Camden, el bajista Roger Waters propuso que el nuevo álbum podría formar parte de la gira. La idea de Waters era que el álbum tratara sobre cosas que «hacen enfadar a la gente», enfocándose en las presiones a las que se enfrentó la banda por su estilo de vida y en los problemas mentales que tenía el antiguo miembro de la banda, Syd Barrett. Ya habían explorado una idea similar en The Man and the Journey, una pieza de música conceptual que tocaron en sus conciertos de 1969. En una entrevista concedida a la revista Rolling Stone, David Gilmour dijo:
«Creo que todos pensábamos —y Roger definitivamente lo pensaba— que muchas de las letras que habíamos estado usando eran demasiado indirectas. Definitivamente había una sensación de que las palabras iban a ser muy claras y específicas».
En general, los cuatro miembros de la banda estuvieron de acuerdo en que la idea de Waters de hacer un álbum basado en una única temática era una buena idea. El bajista y principal letrista Roger Waters, el guitarrista David Gilmour, el batería Nick Mason y el teclista Richard Wright participaron en la composición y la producción del nuevo material, algo poco habitual en los siguientes lanzamientos de Pink Floyd. Waters grabó las primeras demos en su casa de Islington, en un pequeño estudio de grabación que tenía en un cobertizo ubicado en su jardín. Algunas partes del nuevo álbum se extrajeron de material no usado previamente: el comienzo de «Breathe» procede de un trabajo anterior de Waters y Ron Geesin compuesto para la banda sonora de The Body; la estructura básica de «Us and Them» se extrajo de una pieza original compuesta para la película Zabriskie Point. La banda ensayó en un almacén de Londres que pertenecía a The Rolling Stones, y después en el Rainbow Theatre. Además, compraron material nuevo, incluyendo nuevos altavoces, un sistema de PA, una mesa de mezclas de 28 canales con cuatro salidas cuadrafónicas y un sistema de luces. Se transportaron nueve toneladas de material en tres camiones: sería la primera vez que la banda giraba con un álbum completo, pero les permitió refinar y mejorar el nuevo material, que ya había recibido el nombre provisional de The Dark Side of the Moon (más una alusión a los lunáticos que a la astronomía). Al descubrir que el título ya había sido utilizado por otra banda, Medicine Head, fue temporalmente cambiado a Eclipse. El estreno de Eclipse se hizo en The Dome de Brighton el 20 de enero de 1972, aunque al comprobar que el álbum de Medicine Head había sido un fracaso comercial, volvieron a cambiar el título a The Dark Side of the Moon.

Dark Side of the Moon: A Piece for Assorted Lunatics, como se conocía entonces, se tocó en presencia de un grupo de periodistas (y gente dispuesta a grabar un bootleg) el 17 de febrero de 1972 (más de un año antes de su lanzamiento oficial en el teatro Rainbow) con una muy buena acogida crítica. Michael Wale de The Times describió la pieza diciendo que «… trae las lágrimas a los ojos. ¡Está tan llena de comprensión y a la vez de interrogantes musicales!», mientras que Derek Jewell de The Sunday Times escribió «La ambición de la intención artística de [Pink] Floyd es enorme». Melody Maker fue menos entusiasta: «Musicalmente, habían grandes ideas, pero los efectos de sonido a menudo me dejaban pensando que estaba dentro de una jaula de pájaros en el zoo de Londres». La posterior gira recibió una gran acogida por parte del público. Se tocó el nuevo material en directo, en el mismo orden en que después aparecería en el álbum, aunque con obvias diferencias como la falta de sintetizadores en pistas como «On the Run», y la lectura de piezas de la Biblia en lugar de la voz de Clare Torry en «The Great Gig in the Sky».

La gira Dark Side of the Moon Tour de 1972-1973 por Europa y Estados Unidos les dio la oportunidad de hacer mejoras en la calidad de los temas. Entre los conciertos de la gira, se comenzó a hacer las sesiones de estudio; los ensayos comenzaron en Inglaterra el 20 de enero, aunque en febrero la banda viajó a Francia para grabar música para La Vallée, una película francesa del director Barbet Schroeder. Después tocaron en Japón y volvieron a Francia en marzo para completar el trabajo en La Vallée. A esto siguieron actuaciones en Estados Unidos antes de que la banda volviese a Londres para comenzar la grabación del álbum, del 24 de mayo al 25 de junio. Después de otra serie de conciertos en Europa y Estados Unidos, y la grabación en octubre de Pink Floyd: Live at Pompeii, la banda retornó al estudio el 9 de enero de 1973 para completar la grabación del álbum.

Concepto.
The Dark Side of the Moon se construyó a partir de experimentos hechos por Pink Floyd en conciertos y en grabaciones previas, pero sin las extensas piezas instrumentales que, según el crítico David Fricke, se habían convertido en una característica de la banda desde la marcha del miembro fundador Syd Barrett en 1968. El guitarrista David Gilmour, el músico que reemplazó a Barrett, luego se refirió a estos instrumentales como «ese rollo enrevesado de la psicodelia». Gilmour y Waters citan al álbum Meddle de 1971 como un punto de inflexión hacia lo que después sería el siguiente álbum.
La temática de las letras de las canciones incluye la avaricia, el envejecimiento, la muerte y la enfermedad mental. Este último tema tuvo como inspiración el deterioro mental de Barrett, quien había sido el principal compositor y letrista de la banda en sus primeros años. El álbum es conocido por el uso de música concreta y conceptual y las letras filosóficas, al igual que muchos otros trabajos de la banda.
Cada cara del álbum constituye una pieza continua de música. Las cinco pistas de cada cara reflejan varios estadios de la vida humana. El álbum comienza y acaba con latidos de corazón; explora la naturaleza de la experiencia del ser humano, y según Waters, «la empatía». «Speak to Me» y «Breathe» juntos hacen énfasis en los elementos mundanos y fútiles de la vida junto con la siempre presente amenaza de la locura y la importancia de vivir cada uno su propia vida: «No tengas miedo a querer». «On the Run», un instrumental guiado por sintetizadores, evoca el estrés y la ansiedad que provoca el transporte moderno, en particular el miedo de Wright a volar, llevando la trama de la canción a un aeropuerto. «Time» se adentra en el modo en el que el paso del tiempo puede controlar la vida de uno y ofrece una vehemente advertencia a quienes desperdician el tiempo agarrándose a los aspectos más mundanos de la vida. A esta canción le sigue el tema del retiro hacia la soledad y el refugio en la canción «Breathe (Reprise)». La primera parte del álbum termina con «The Great Gig in the Sky», una sentida metáfora sobre la muerte. Abriendo con el sonido de una caja registradora y el ruido de monedas, la primera pista de la cara B, «Money», se mofa de la avaricia y el consumismo, con una letra irónica y efectos de sonido relacionados con la riqueza. «Money» ha sido la pista de más éxito comercial del álbum y ha sido versionada por varias bandas desde entonces. «Us and Them» habla del etnocentrismo y del conflicto y del uso de dicotomías simples para describir las relaciones personales. «Brain Damage» trata sobre la enfermedad mental resultante de poner la fama y el éxito por encima de las necesidades de uno mismo. En particular el verso «And if the band you're in starts playing different tunes» («y si la banda en la que estás comienza a tocar distintas melodías») refleja el estado mental del antiguo miembro de la banda Syd Barrett. El álbum acaba con «Eclipse», que propugna los conceptos de la alteridad y unidad, a la vez que fuerza al oyente a reconocer los rasgos comunes de los seres humanos.

Grabación.

El álbum se grabó en los Estudios Abbey Road, en dos sesiones, entre mayo de 1972 y enero de 1973. A la banda se le asignó como jefe técnico a Alan Parsons, que ya había trabajado como asistente de grabación en Atom Heart Mother, y que había ganado experiencia como ingeniero de sonido en los álbumes de The Beatles Abbey Road y Let It Be. Las sesiones de grabación se llevaron a cabo con las técnicas más sofisticadas de la época. El estudio era capaz de hacer mezclas de dieciséis pistas, cosa que ofrecía un gran nivel de flexibilidad, aunque la banda llegó a usar tantas pistas que para hacerlo posible se tuvieron que hacer segundas copias de las cintas.
Dando comienzo el 1 de junio, la primera pista en grabarse fue «Us and Them», seguida seis días después por «Money». Waters había creado varios efectos de sonido en forma de loops sobre objetos relacionados con el dinero, incluyendo monedas lanzadas dentro de un cuenco. Estos loops se regrabaron cuando la banda decidió grabar una mezcla cuadrafónica del álbum (Parsons ha expresado su descontento con el resultado de esta mezcla, debido a la falta de tiempo y la falta de grabadoras multipista). Las siguientes pistas en ser grabadas fueron «Time» y «The Great Gig in the Sky», seguidas de un descanso de dos meses durante los cuales la banda pasó tiempo con la familia y se preparó para una nueva gira por Estados Unidos. Las sesiones de grabación sufrieron varias interrupciones; Roger Waters, seguidor del Arsenal F.C., a menudo cortaba las grabaciones para ir a ver jugar a su equipo y a menudo hacían un descanso para ver Monty Python's Flying Circus en la televisión, dejando a Parsons trabajando con el material disponible. Sin embargo, Gilmour ha refutado estas afirmaciones; en una entrevista de 2003 dijo: «A veces los veíamos, pero cuando estábamos muy ocupados seguíamos con el trabajo».
Al regresar de Estados Unidos en enero de 1973, grabaron «Brain Damage», «Eclipse», «Any Colour You Like» y «On the Run», a la vez que afinaban el trabajo que ya tenían hecho de las sesiones previas. Para cantar en «Brain Damage», «Eclipse» y «Time» se contrató a cuatro cantantes femeninas, y para tocar el saxofón en «Us and Them» y «Money» se contrató a Dick Parry. La banda filmó metraje en el estudio de grabación con el director Adrian Maben para Pink Floyd: Live at Pompeii. Una vez completadas las grabaciones de estudio, la banda comenzó una gira por Europa.

Instrumentación.

A nivel instrumental, el álbum es conocido por los efectos de sonido metronómicos en la canción «Speak to Me», y los loops en la apertura de «Money». Nick Mason, responsable de la mayoría de los efectos de sonido usados en la discografía de Pink Floyd, recibió una inhabitual acreditación como único compositor de «Speak to Me». La pista sirve como introducción, compuesta a base de cross-fades (efecto utilizado para montar una pieza sobre otra, bajando el volumen de la primera a medida que se sube el de la segunda) realizados con elementos de otras piezas del álbum. Mason creó una primera versión en su casa, antes de completarlo en el estudio. Para aumentar la construcción del efecto, se sirvieron de un acorde de piano, grabado al revés, que da lugar a la introducción de «Breathe». Los efectos de sonido de «Money» se crearon empalmando las grabaciones caseras de monedas tintineantes de Waters, sonidos de papeles rotos, el sonido de una caja registradora y el ruido de una calculadora para crear un loop de 7 pulsaciones (después adaptado a cuatro pistas para crear un efecto de «walk around the room» [pasear por el recinto y escuchar todo de forma uniforme] en la versión cuadrafónica del álbum). En algunos momentos la experimentación sónica del álbum requirió que todos los ingenieros y miembros de la banda operasen los reguladores de sonido de la mesa de mezclas de forma simultánea para mezclar las complicadas grabaciones multipista de varias de las canciones (en particular «On the Run»).
Junto a la instrumentación convencional de rock, Pink Floyd añadió sintetizadores a su sonido. Por ejemplo, experimentaron con un EMS VCS 3 en «Brain Damage» y «Any Colour You Like», y un Synthi A en «Time» y «On the Run». También crearon y grabaron sonidos poco convencionales: un ingeniero asistente corriendo por la sala de reverberación del estudio (en «On the Run») o un bombo especialmente tratado para simular la frecuencia cardíaca de un ser humano (en «Speak to Me», «On the Run», «Time» y «Eclipse»). Este sonido es muy distinguible en la intro y el outro del álbum, aunque se puede oír también de forma esporádica en otras pistas: las canciones «Time» y «On the Run» tienen este ruido sordo. Los ruidos de relojes haciendo tic-tac y después marcando las horas de forma simultánea (en «Time») los creó Parsons inicialmente como prueba del sistema cuadrafónico. Parsons grabó cada sonido en una tienda de relojes antiguos, y aunque el material no se había creado específicamente para el álbum, finalmente se usó, junto a una serie de rototoms (tipo de timbal).

Voces.
Varias pistas, entre otras «Us and Them» y «Time», son reconocibles por la habilidad que muestran Richard Wright y David Gilmour a la hora de armonizar sus respectivas voces. En The Making of The Dark Side of the Moon, un documental en DVD de 2003 sobre la elaboración del álbum, Roger Waters lo atribuye al hecho de que ambas voces son extremadamente similares. Para tomar provecho de esto, Parsons perfeccionó el uso de otras técnicas de estudio como el doubletracking de las voces y de las guitarras, y otras multipistas vocales que permitían a Gilmour armonizarse consigo mismo. También utilizó efectos flanger y phaser en voces e instrumentos, artimañas utilizando reverb, y el desplazamiento de sonidos entre canales (muy audible en la mezcla cuadrafónica de «On the Run», cuando el sonido de un órgano Hammond B3 saliendo de un altavoz Leslie gira rápidamente alrededor del oyente).

En los créditos del álbum aparece Clare Torry, una cantante de sesión y compositora, habitual en los estudios Abbey Road. Previamente había trabajado en material de música pop y en varios álbumes de versiones, y después de oír uno de esos álbumes Parsons la invitó al estudio para cantar en «The Great Gig in the Sky». Torry rechazó la oferta porque quería ver a Chuck Berry, que tocaba en el Hammersmith Odeon, aunque quedó en pasarse por allí el domingo siguiente. Los miembros de la banda le explicaron el concepto que había detrás del álbum, pero fueron incapaces de explicarle lo que debía hacer exactamente. Gilmour estaba a cargo de la sesión, y en unas pocas tomas breves, un domingo por la noche, improvisó una melodía sin letra para acompañar el emotivo solo de piano de Richard Wright. Inicialmente, Torry se sentía avergonzada por su exuberancia dentro de la cabina de grabación, y quiso disculparse ante la banda, para encontrarse después que estaban encantados con el resultado. Posteriormente, se editaron sus tomas para producir la versión que se usó en la pista. Se le pagaron £30 por su colaboración. En 2004, Torry demandó a EMI y Pink Floyd por regalías de composición, reclamando que coescribió «The Great Gig in the Sky» junto al teclista Richard Wright. Los tribunales de justicia del Reino Unido llegaron a la conclusión de que Torry estaba en lo correcto, aunque el acuerdo económico al que llegaron nunca llegó a salir a la luz pública. Todas las ediciones posteriores a 2005 de «The Great Gig in the Sky» acreditan la canción a Wright y Torry.
Parte distinguible del álbum son los trozos de grabaciones de voces entre la música o encima de la misma. Durante las sesiones de grabación, Roger Waters reclutó al personal y ocupantes del estudio para contestar a una serie de preguntas impresas en tarjetas. Se colocó a los entrevistados frente a un micrófono en una cabina del estudio oscura, donde se les mostraban las tarjetas con preguntas como «¿cuál es tu color favorito?» o «¿cuál es tu plato favorito?», antes de pasar a preguntas más enfocadas al tema central del álbum (como la locura, la violencia o la muerte). Las respuestas se contestaban en el mismo orden que se hacían las preguntas, provocando respuestas sorprendentes. La pregunta «¿cuál fue la última vez que fuiste violento?» era seguida inmediatamente por la de «¿tenías razón?» La grabación de la entrevista al road mánager Roger «The Hat» Manifold fue la única que se hizo de forma convencional, ya que en su momento la banda no le pudo localizar, y para cuando lo consiguieron ya no encontraban las tarjetas. Cuando se le preguntó sobre el último momento violento que había tenido con otro conductor, Manifold contestó «… le di un shock rápido, corto y fuerte …», y cuando se le preguntó sobre la muerte dijo «vive para hoy, mañana ya no estás, ese soy yo …» Otro técnico, Chris Adamson, en el momento se encontraba de gira con Pink Floyd y grabó la explícita diatriba que abre el álbum: «He estado cabreado muchos jodidos años: realmente muchos años». El road mánager de la banda Peter Watts (padre de la actriz Naomi Watts) contribuyó con las risas que aparecen en «Brain Damage» y «Speak to Me». El monólogo sobre «geezers who were cruisin' for a bruisin» («colgados que patrullaban en busca de recibir moretones») fue obra de la segunda mujer de Peter, Puddie (diminutivo de Patricia) Watts. Las respuestas: «Y yo no tengo miedo a morir, cualquier momento es bueno, no me importa. ¿Por qué debería tener miedo a morir?, no hay razón para ello, algún día hay que marcharse» (que aparece en «The Great Gig in the Sky») y las palabras finales: «en realidad no hay ningún lado oscuro de la luna..., de hecho, toda es oscura» (encima de las pulsaciones en «Eclipse») son del portero irlandés de los estudios, Gerry O'Driscoll. También se entrevistó a Paul y Linda McCartney, aunque sus respuestas no llegaron a incluirse en el álbum. Henry McCullough, colega de McCartney en la banda de éste, contribuyó con la famosa frase «I don't know, I was really drunk at the time» («no lo sé, estaba realmente borracho en ese momento»), que aparece entre «Money» y «Us and Them».

Edición.
Después de terminar las sesiones de entrevistas, contrataron al productor Chris Thomas para aportar «un par de orejas frescas». El pasado de Thomas era más musical que de ingeniería. Había trabajado con el productor de The Beatles, George Martin, y era conocido del mánager de Pink Floyd, Steve O'Rourke. Los cuatro miembros de la banda tenían posiciones encontradas en cuanto a la forma de mezclar el álbum. Waters y Mason preferían una mezcla «seca» y «limpia», haciendo más uso de los elementos no musicales, pero Gilmour y Wright preferían una mezcla más sutil y con «eco». Thomas dijo después que no existían tales desacuerdos, diciendo «no había diferencias de opinión entre ellos, no recuerdo a Roger diciendo ni una vez que quería menos eco. De hecho, no dejaron ninguna pista sobre que después se fueran a enfadar entre ellos. Había una atmósfera muy creativa. Muy divertido». Aunque la verdad aún no se conoce, la intervención de Thomas resultó en un compromiso entre Waters y Gilmour, dejando a ambos totalmente satisfechos con el resultado final. Thomas fue responsable de varios cambios significativos en el álbum, incluyendo el eco usado en «Us and Them». También estuvo presente en la grabación de «The Great Gig in the Sky» (aunque Parsons fue el responsable de contratar a Torry). Roger Waters dijo en una entrevista de 2006, cuando se le preguntó si sus metas se habían cumplido en el estudio:
Cuando se terminó el álbum me llevé una copia a casa y se la puse a mi mujer. Recuerdo que comenzó a llorar cuando acabó. Y pensé, «esto obviamente ha tocado una fibra en algún sitio» y me sentí bastante satisfecho. Sabes cuando has hecho algo, ciertamente si has creado una pieza de música, lo oyes con oídos nuevos cuando se la pones a otra persona. Y en ese punto pensé para mí, «Wow, esto es una pieza de trabajo bastante completa», y tuve confianza en que la gente respondería.
Roger Waters
Se notaba que toda la banda trabajaba conjuntamente. Fue un momento creativo. Estabamos todos muy abiertos.
Richard Wright.

Presentación.
El álbum se publicó inicialmente en formato de vinilo con una carpeta desplegable diseñada por Hipgnosis y George Hardie, la cual mostraba un prisma refractando luz en su portada. El grupo Hipgnosis diseñó varias de las portadas de los álbumes previos de la banda, con resultados controvertidos; EMI no quedó satisfecha al ver las portadas de Atom Heart Mother y Obscured by Clouds, ya que esperaban diseños más tradicionales que incluyesen rótulos y palabras, pero los diseñadores Storm Thorgeson y Aubrey Powell pudieron ignorar las críticas, dado que la banda les contrataba. Para The Dark Side of the Moon Richard Wright les pidió que le presentaran algo «más elegante, con más clase». El diseño del prisma se inspiró en una fotografía que Thorgeson había visto en una sesión de brainstorm (lluvia de ideas) a la que asistió con Powell. El diseño corrió a cargo de George Hardie, empleado de Hipgnosis. La compañía de arte le ofreció a los miembros de la banda a elegir entre un total de siete diseños, pero los cuatro coincidieron en que el diseño del prisma era de largo el mejor. El diseño del prisma representa tres elementos; la iluminación en los conciertos de la banda, las letras del álbum y el deseo de Richard Wright de crear una portada más «sencilla y pulcra». El espectro de luz continúa por el desplegable antes de volver a unirse en otro prisma en la contraportada, una idea de Roger Waters. Añadido al poco tiempo, el diseño del desplegable también contiene la representación del latido de corazón empleado a lo largo del álbum, mientras que la idea de incluir otro prisma en la contraportada fue de Thorgeson, con el objetivo de facilitar la disposición del álbum en las tiendas de música. La banda de luz que emana del prisma en el álbum tiene seis colores, dejando fuera el índigo en comparación con la tradicional división del espectro en rojo, naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta. Un prisma normal mostraría un espectro continuo sin límites definidos entre un color y el siguiente.
Dentro de la carpeta desplegable venían dos pósters, uno de ellos con fotografías de la banda en concierto con el texto PINK FLOYD roto y las piezas esparcidas, y el otro con una imagen de las Pirámides de Giza tomada por Powell y Thorgeson con una película infrarroja. También incluía una hoja con pegatinas de las pirámides. VH1 posicionó la portada en el cuarto lugar de su lista de las mejores portadas de todos los tiempos en 2003, y en 2009 los seguidores de la emisora de radio británica Planet Rock lo votaron como la mejor de todos los tiempos.
Desde la partida del miembro fundador Barrett de la banda en 1968, la carga de la composición de las letras recayó, mayoritariamente, en Waters. Por tanto se le acredita como el compositor de las letras del álbum, haciendo The Dark Side of the Moon el primero de cinco álbumes consecutivos de Pink Floyd en acreditarlo exclusivamente como letrista. La banda se encontraba tan confiada con la calidad de las letras que, por primera vez, decidieron añadirlas dentro del LP en forma de texto. Cuando se le preguntó en 2003 si su papel en el álbum fue «organizar [las] ideas y estructuras» y el de David Gilmour «la música», Waters respondió:
Eso es una gilipollez. No hay duda de que Dave necesita un vehículo para sacar lo mejor de su guitarra. Y es un gran guitarrista. Pero la idea que ha intentado propagar a lo largo de los años de que él es más musical que yo es una verdadera tontería. Es un concepto absurdo, aunque la gente parece contenta creyéndolo.

Lanzamiento.

A excepción de Wright, la banda boicoteó la presentación de prensa en el London Planetarium del 27 de febrero, ya que la mezcla cuadrafónica no estaba completada. A los invitados se les recibió con un cuarteto de recortes de cartón de tamaño real de la banda, mientras que la mezcla estereofónica del álbum se lanzó a través de un equipo de PA de mala calidad. De todas maneras, en general, la prensa se mostró entusiasmada; Roy Hollingworth de Melody Maker describió la Cara A como: «... tan completamente confundida consigo misma que era difícil seguirla», aunque pasó a alabar la Cara B, escribiendo: «las canciones, los sonidos, los ritmos eran sólidos y firmes, el saxo apareció, la banda rockanroleó, para después desaparecer en la noche». Steve Peacock de Sounds escribió «No me importa si no has oído una nota de la música de Pink Floyd en tu vida, recomendaría sin reservas a todo el mundo The Dark Side of the Moon ...»[78] En su reseña de 1973 sobre el álbum para la revista Rolling Stone, Lloyd Grossman escribió: «un gran álbum con una riqueza de textura y concepto que no solo invita, sino que exige involucrarse».
The Dark Side of the Moon se lanzó en Estados Unidos el 10 de marzo de 1973, y después en el Reino Unido el 24 de ese mismo mes. Se convirtió inmediatamente en un éxito de ventas en el Reino Unido y Europa Occidental; para el mes siguiente, había recibido el disco de oro tanto en Estados Unidos como el Reino Unido. Durante marzo de 1973 la banda tocó el álbum como parte de su gira estadounidense, incluyendo una actuación a medianoche en el Radio City Music Hall de Nueva York el 17 de marzo. El plato fuerte consistió en un avión lanzado desde el fondo del recinto al final de «On the Run», estrellándose en el escenario entre humo naranja, ante los 6.000 espectadores que asistieron a la actuación. El álbum llegó al puesto número uno de la lista de álbumes Billboard el 28 de abril de 1973, obteniendo tanto éxito que retornaron dos meses después para hacer otra gira.

Discográfica.
Gran parte del tempranero éxito del álbum en los Estados Unidos se debió a su discográfica en ese país, Capitol Records. El recién asignado presidente de la compañía, Bhaskar Menon, intentó por todos los medios mejorar las pobres ventas del álbum de estudio previo de Pink Floyd, Meddle. Mientras tanto, desencantados con Capitol, la banda y su mánager O'Rourke habían estado negociando con Columbia Records, específicamente con el presidente de la CBS Cliv Davis. The Dark Side of the Moon era el último álbum que estaban obligados a lanzar antes de quedar libres de contrato y poder firmar con otra compañía. El entusiasmo de Menon fue tan grande que se encargó de hacer una gran campaña de promoción del álbum, incluyendo versiones truncadas de «Us and Them» y «Time» para las emisoras de radio. En algunos países, especialmente el Reino Unido, Pink Floyd no había lanzado un sencillo desde «Point Me at the Sky» de 1968, y excepcionalmente se lanzó «Money» como sencillo el 7 de mayo, con «Any Colour You Like» como Cara B. Llegó al puesto número trece de la lista Billboard Hot 100 en julio de 1973. Se envió a las emisoras de radio una versión promocional con mezclas en mono y estéreo con etiquetas blancas. En el lado de la versión mono se retiró la palabra «bullshit» («mierda») de la canción, dejando sólo «bull», sin embargo la versión estéreo contenía la versión sin censurar. Posteriormente esto se intentó subsanar; se mandó un reemplazo a las emisoras junto a una nota que advertía a los disc jockeys que eliminaran la primera copia sin censurar que habían recibido. El 4 de febrero se lanzó «Time», con «Us and Them» como Cara B. Sin embargo, los esfuerzos de Menon por renovar el contrato discográfico con Pink Floyd fueron en vano; a principios de 1974, la banda firmó con Columbia y recibió un adelanto de un millón de dólares (en el Reino Unido y Europa continuaron con su contrato con Harvest Records).

Ventas.
The Dark Side of the Moon es uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos (sin contar compilaciones y bandas sonoras), además de estar entre los 25 álbumes más vendidos de los Estados Unidos. Aunque sólo permaneció una semana en el primer puesto de las listas estadounidenses, permaneció en la lista Billboard 200 durante 741 semanas. El álbum volvió a entrar en las listas del Billboard con la introducción de la lista Top Pop Catalog Albums en mayo de 1991, y ha sido un habitual en la lista desde entonces. En el Reino Unido es el sexto álbum más vendido de la historia.
Creo que, cuando se terminó, todo el mundo pensó que era lo mejor que habíamos hecho hasta la fecha, y todo el mundo estaba muy contento con él, pero de ninguna de las maneras nadie pensaba que era cinco veces mejor que Meddle, u ocho veces mejor que Atom Heart Mother, ni las ventas que realmente ha tenido. Se trataba [...] no sólo de que era un buen álbum, sino también de estar en el momento y lugar adecuados.
Nick Mason
En Estados Unidos el LP se lanzó antes de que se comenzaran a entregar discos de platino, cosa que ocurrió el 1 de enero de 1976. Por este motivo, sólo poseía un disco de oro hasta que en febrero de 1990 se certificó platino once veces. El 4 de junio de 1998 la Recording Industry Association of America (RIAA) certificó el álbum 15 veces platino, gracias a los quince millones de discos vendidos en Estados Unidos, haciendo del álbum su trabajo más vendido en el país (The Wall es 23 veces platino, pero los álbumes dobles cuentan doble, por lo que las ventas reales son de 11.5 millones de copias). «Time» y «Money» siguen recibiendo radiodifusión; en Estados Unidos, en el año 2005, a 20 de abril, «Time» había sido radiada 13.723 veces y «Money» en 13.731 ocasiones. «Money» vendió bien como sencillo, ya que las fuentes de ventas mundiales sugieren que ha vendido unos 45 millones de copias a nivel mundial. Se siguen vendiendo entre 8.000 y 9.000 copias semanales del álbum, y en 2002 se vendieron un total de 400.000, convirtiéndolo en el número 200 en ventas de ese año- casi tres décadas después de su lanzamiento. Según un artículo del Wall Street Journal del 2 de agosto de 2006, a pesar de que el álbum se lanzó en 1973, ha vendido desde 1991 7,7 millones de copias sólo en Estados Unidos y sigue vendiendo aproximadamente 9.600 copias semanales. A 2010 sigue ocupando un lugar destacado en la lista Pop Catalogue Chart de Billboard con más de 940 semanas seguidas en lista. Llegó al puesto número uno cuando se lanzó la edición CD/SACD en 2003, vendiendo 800.000 copias sólo en Estados Unidos. La semana del 5 de mayo de 2006 The Dark Side of the Moon alcanzó un total combinado de 1.500 semanas entre las listas Billboard 200 y Pop Catalogue. Se estima que una de cada catorce personas menores de cincuenta años posee o ha poseído una copia del álbum.
En 2006 los seguidores de la Australian Broadcasting Corporation la votaron «Mi álbum favorito», y en 2003 la revista Rolling Stone colocó The Dark Side of the Moon en el puesto número 43 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. También se encuentra en el puesto número dos de la lista de Los 200 mejores álbumes de todos los tiempos elaborada por la National Association of Recording Merchandisers.

Reediciones y remasterización.
En 1979 se lanzó The Dark Side of the Moon como LP remasterizado por Mobile Fidelity Sound Lab, y en abril de 1988 en un CD de oro formato «Ultradisc». EMI fue la encargada del primer lanzamiento en disco compacto en 1984. En 1992, el álbum se reeditó en forma de CD remasterizado como parte de una caja recopilatoria llamada Shine On. Esta versión se volvió a editar en una caja para celebrar su 20º aniversario junto a una serie de postales en 1993. Al igual que la portada original de 1973, el diseño corrió a cargo de Storm Thorgerson. Algunos sugieren que en las últimas ediciones del CD se oye débilmente una versión orquestal de la canción de The Beatles «Ticket to Ride» al término de «Eclipse», por encima de los latidos que clausuran el álbum. Posiblemente se trate de un error de la remasterización, ya que no es audible en el disco de vinilo original.
La mezcla cuadrafónica original, aunque encargada por EMI, no recibió la aprobación de la banda. No obstante, para celebrar el 30º aniversario del álbum se lanzó una versión renovada en 2003. Hubo cierta sorpresa cuando la banda eligió no usar la vieja mezcla cuadrafónica hecha por Parsons (mezclada poco después del lanzamiento original), sino que eligieron a su actual ingeniero de sonido James Guthrie para crear una nueva mezcla en 5.1 para la versión en formato SACD. Guthrie ha trabajado con la banda desde que coprodujo e hizo de ingeniero de sonido para su álbum de 1979, The Wall, habiendo trabajado previamente en versiones multicanal del mismo para un lanzamiento en DVD, y del álbum In the Flesh de Waters para un SACD. Hablando en 2003, Alan Parsons expresó cierta decepción con la mezcla SACD de Guthrie, sugiriendo que Guthrie fue «posiblemente demasiado fiel a la mezcla original», aunque fue generoso con el lanzamiento en general.
Comentando sobre la mezcla multicanal de «On the Run», Parsons dijo: «Después de escuchar la mezcla un buen rato, creo que estoy oyendo estéreo con un poco de surround». Alabó las mezclas de otras de las canciones, en particular «The Great Gig in the Sky»: «Me quito el sombrero ante James por escoger las partes correctas de la voz de Clare. Y ha mejorado la mezcla hecha en estéreo, que es un poco floja. El estéreo es potente en el órgano Hammond, y Clare está un poco apagada. En mi mezcla cuadrafónica, el Hammond casi no está, cosa que demuestra que no fui fiel a la mezcla estereofónica. El cuadrafónico suena bastante bien, pero James aún tiene su punto. Su mezcla es definitivamente más limpia, y ha acercado a Clare un poco más». Esta edición del 30º aniversario recibió cuatro premios Surround Music en 2003 y ha vendido más de 800.000 copias desde su lanzamiento. El diseño de la portada corrió a cargo de un equipo de diseñadores bajo la dirección de Storm Thorgerson. La imagen es una fotografía de un vitral, hecho a medida con las dimensiones y proporciones exactas de la original. En lugar de los colores opacos de la original usaron vidrio transparente, sujeto con láminas de plomo. La idea deriva de la «sensación de pureza del sonido, siendo sonido multicanal 5.1 ...» La imagen se creó con el deseo de ser «igual pero distinto, tanto que el diseño es claramente Dark Side of the Moon, siendo el diseño del prisma, pero diferente y nuevo ...»
En 2003 también se lanzó una versión en vinilo de 180 gramos de The Dark Side of the Moon (masterizado por Kevin Gray en AcousTech Mastering) que incluye versiones ligeramente distintas de los pósteres y pegatinas originales que se incluyeron en la versión original, junto a un póster del 30º aniversario completamente nuevo. En 2007 se incluyó el álbum en Oh, by the Way, una caja recopilatoria lanzada para conmemorar el 40º aniversario de la banda, y una versión libre de DRM para iTunes.

Legado.
El éxito del álbum trajo una riqueza previamente desconocida a los cuatro miembros de la banda; Richard Wright y Roger Waters se compraron grandes casas de campo, y Nick Mason se convirtió en coleccionista de coches de lujo. Además, parte de los beneficios se invirtieron en la producción de Monty Python and the Holy Grail.
Gracias a la producción, Alan Parsons ganó un Premio Grammy al «álbum con mejor ingeniería de sonido» en 1973, y pasó a tener su propia carrera como artista. Waters y Gilmour a menudo han menospreciado su contribución en el éxito del álbum, aunque Mason ha alabado su papel en el mismo. En 2003 Parsons reflexionó diciendo: «Creo que todos ellos creen que conseguí mantenerme el resto de mi carrera gracias a Dark Side of the Moon, cosa que tiene cierta parte de verdad. Pero de vez en cuando despierto, frustrado por el hecho de que han ganado incontables millones y mucha de la gente involucrada en el álbum no».
Me ha cambiado en muchos aspectos, porque ha traído mucho dinero, y uno se siente muy seguro cuando puede vender un álbum dos años seguidos. Pero no ha cambiado mi actitud para con la música. Aunque fue un éxito, se hizo de la misma manera que todo el resto de nuestros álbumes, y el único criterio que tenemos para lanzar música es si nos gusta o no. No fue un intento deliberado de hacer un álbum comercial. Simplemente ocurrió así. Sabías que era mucho más melódico que los anteriores álbumes de Floyd, y había un concepto que lo atravesaba de parte a parte. La música era más fácil de absorber y el tener chicas cantantes le añadió un toque comercial que ninguno de nuestros otros álbumes poseía.
Richard Wright
El perdurable legado de The Dark Side of the Moon se encuentra en su influencia en la música moderna, los músicos que han hecho versiones de sus canciones, e incluso en mitos urbanos. Su lanzamiento es, a menudo, visto como un punto simbólico en la historia de la música rock, y, en ocasiones, se han buscado similitudes entre Pink Floyd y Radiohead, en especial su álbum de 1997 OK Computer, al que se le ha llamado The Dark Side of the Moon de los años 1990, ya que ambos álbumes tienen algo en común: la pérdida de la habilidad creativa de un individuo para seguir funcionando en el mundo moderno.

Versiones y samples.
Uno de los covers más conocidos de The Dark Side of the Moon es Return to the Dark Side of the Moon: A Tribute to Pink Floyd, lanzado en 2006. Es un tributo hecho por artistas de rock progresivo como Adrian Belew, Tommy Shaw, Dweezil Zappa y Rick Wakeman. En 2000 The Squirrels lanzaron The Not So Bright Side of the Moon, que contiene covers del álbum completo. En 2003, el grupo de artistas de reggae de Nueva York Easy Star All Stars lanzaron Dub Side of the Moon.

Mary Fahl, la ex vocalista de October Project, realizó el álbum From the Dark Side of the Moon, una «re-imaginación» del álbum de Pink Floyd con versiones de todas las canciones, aunque por problemas debidos a la reorganización del sello discográfico V2 Records, nunca se llegó a lanzar de forma oficial. El grupo Voices on The Dark Side lanzó el álbum Dark Side Of The Moon A Cappella, una versión del álbum totalmente a cappella. La banda de bluegrass Poor Man's Whiskey a menudo interpreta el álbum en sus conciertos, llamando a la pieza Dark Side of the Moonshine. En 2004 se lanzó una versión del álbum en una versión de cuarteto de cuerda. En 2009 The Flaming Lips han anunciado que tienen previsto lanzar una versión del álbum pista a pista.
Varias bandas y artistas han versionado el álbum al completo en directo: la banda de rock Phish hizo una versión semi improvisada del álbum entero como parte de su concierto en West Valley City, Utah. La banda de metal progresivo Dream Theater también ha interpretado el álbum al completo en sus conciertos.
Varios artistas han utilizado samples y loops de The Dark Side of the Moon para sus trabajos. Milli Vanilli usó loops de la canción «Money» para su propia canción «Money», al igual que Marky Mark and the Funky Bunch en su álbum Music for the People.
Dark Side of the Rainbow
The Dark Side of the Rainbow y The Dark Side of Oz son nombres que se usan para definir los rumores lanzados por Internet, que existen al menos desde 1994, que dicen que Dark Side of the Moon se hizo con la idea de servir como banda sonora de la película de 1939 El Mago de Oz. Los observadores que han puesto la película y el álbum de forma simultánea dicen que aparentemente hay sincronías, como cuando Dorothy comienza a correr y la banda comienza a cantar «no one told you when to run» («nadie te dijo cuándo comenzar a correr»). Tanto David Gilmour como Nick Mason han negado la conexión entre las dos obras, mientras que Roger Waters ha descrito los rumores como «divertidos». Alan Parsons ha asegurado que la película ni siquiera llegó a mencionarse durante la producción del álbum.

Lista de canciones.
Todas las letras escritas por Roger Waters.
«Speak to Me» Mason Instrumental 1:30
«Breathe» Waters, Gilmour, Wright 2:43
«On the Run» Gilmour, Waters 3:30
«Time» (contiene «Breathe Reprise»)Mason, Waters, Wright, Gilmour 6:53.

«The Great Gig in the Sky» Wright, Clare Torry 4:15
«Money» Waters ,Gilmour 6:30
«Us and Them» Waters, Wright, Gilmour and Wright 7:34
«Any Colour You Like» Gilmour, Mason, Wright 3:24
«Brain Damage» Waters 3:50
«Eclipse» Waters 1:45

Créditos.
David Gilmour: vocals, pedal steel y guitarra, sintetizador VCS 3, producción
Nick Mason: batería, percusión, efectos, producción
Roger Waters: bajo, voz, sintetizador VCS 3, efectos, producción
Richard Wright: teclados, voz, sintetizador VCS 3, producción

Músicos adicionales:
Dick Parry: saxofón en «Money» y «Us and Them»
Clare Torry: voz en «The Great Gig in the Sky», coros
Lesley Duncan: coros
Barry St. John: coros
Liza Strike: coros
Doris Troy: coros

Producción:
Alan Parsons: ingeniería de sonido
Peter James: asistente de ingeniería de sonido (identificado incorrectamente como «Peter Jones» en las primeras copias del LP de Estados Unidos)
Chris Thomas: mezclas
George Hardie: ilustraciones, diseño de portada
Hipgnosis: diseño, fotografía
Jill Furmanovsky: fotografía
James Guthrie: supervisor de masterización en las ediciones del 20º y 30º aniversario, mezclas 5.1 en la edición del 30º aniversario
Doug Sax: remasterización en las ediciones del 20º y 30º aniversario
David Sinclair: notas interiores de la reedición en CD
Storm Thorgerson: Diseño en las ediciones del 20º y 30º aniversario
Drew Vogel: arte y fotografía en la reedición CD.

"Household Objects".

Household Objects seria el undecimo album de estudio del grupo de rock Pink Floyd, sucesor de Dark Side Of The Moon, pero el álbum, el cual fue grabado entre Octubre y diciembre de 1973, fue cancelado por parte del grupo y el proyecto comenzó desde cero otra vez.

Historia.
Este proyecto consistiría en un intento de producir un álbum utilizando para ello objetos no musicales de uso cotidiano en una casa. Ya Roger Waters había realizado un proyecto similar en Music From The Body (1970) en el cual las bases musicales eran sonidos originados por el propio cuerpo humano.
El proyecto, finalmente, fue abandonado, no sin antes haberle dedicado horas de trabajo y grabaciones. El proyecto había tomado varios meses de producción, detenido solo por dos presentaciones el día 12 de octubre de 1973 en Munich, Alemania y otra el 13 en Viena, Austria. Posteriormente, las grabaciones continuaron los días 22 al 26 y 29 al 31, para proseguir durante el mes de noviembre los días 12 al 14, 19 al 21, 26 al 28 y 3 al 5 de diciembre de 1973.
Las grandes limitaciones técnicas del momento hicieron desistir al grupo de continuar con el proyecto. Solo quedaron registros de 3 temas.

Hipótesis.
A pesar de ello, existe la creencia de que algunas ideas de este proyecto se utilizaron en el álbum Wish You Were Here (1975), específicamente para la pista 2, Welcome to the Machine, en la pista 1, Shine On You Crazy Diamond (parte 1) y el final de la pista 4, Wish You Were Here (canción principal cuyo nombre es igual al del título del álbum).
Este proyecto es una muestra de la improvisación creativa reinante en el grupo ante un evento tan inesperado como lo fue el éxito del Dark Side of the Moon (1973). Durante el periodo que transcurre entre 1973 hasta 1975 el grupo viviría aterrado por la posibilidad de no poder mantener un estándar tan elevado como el alcanzado con Dark Side Of The Moon, el cual ya para entonces era disco número uno en varios países y cuyas cifras de ventas crecían inexorablemente.

Comentarios.
Al respecto, Roger Waters (bajo, voz) ha comentado en una entrevista: "Hubo un intento de realizar un álbum sin utilizar ningún instrumento musical, parecía una buena idea en su momento, pero no funcionó, probablemente porque nosotros necesitábamos detenernos a descansar por un rato". En todo caso el grupo tomó la decisión de no utilizar los temas grabados en un próximo álbum.
Por su parte, David Gilmour (guitarra, voz) declaró: "Parece un poco sin sentido hacerlo a menos que hicieramos un álbum completo, para nosotros parece un poco sordo de todas maneras, es difícil hacer que funcionen como piezas de música genuinas fuera de su contexto.